pág. 1176
PATRONES DE COMPORTAMIENTO COLECTIVOS
DISFUNCIONALES: UN ANÁLISIS DEL FILME
ECUATORIANO CUANDO ME TOQUE A MÍ.
DYSFUNCTIONAL COLLECTIVE BEHAVIOR PATTERNS: AN
ANALYSIS OF THE ECUADORIAN FILM CUANDO ME TOQUE A MÍ
(WHEN IT'S MY TURN)
Lic. Richard Joel Acosta Briceño
Investigador independiente
Mg. Lourdes Natalia Santos Pilataxi
Investigador independiente
Lic. Sylvia Emperatriz Pinto Ninacuri
Investigador independiente
Mg. Patricia Lucila Carrera Mantilla
Investigador independiente
Mg. Narcisa de Jesús Manobanda Sisa
Investigador independiente
pág. 1177
DOI: https://doi.org/10.37811/cl_rcm.v9i6.22247
Patrones de comportamiento colectivos disfuncionales: Un análisis del filme
ecuatoriano Cuando me toque a mí
Lic. Richard Joel Acosta Briceño1
18rjab@queensu.ca
https://orcid.org/0009-0008-1362-8872
Investigador Independiente
Ecuador
Mg. Lourdes Natalia Santos Pilataxi
lusanto1978@hotmail.com
https://orcid.org/0009-0000-5427-8575
Investigadora Independiente
Ecuador
Lic. Sylvia Emperatriz Pinto Ninacuri
sylvi_pinto@yahoo.es
https://orcid.org/0009-0009-4594-8640
Investigadora Independiente
Ecuador
Mg. Patricia Lucila Carrera Mantilla
carrerampatricial@gmail.com
https://orcid.org/0009-0004-4385-6949
Investigador Independiente
Ecuador
Mg. Narcisa de Jesús Manobanda Sisa
nachita.manobanda@yahoo.es
https://orcid.org/0009-0000-7727-9298
Investigador Independiente
Ecuador
RESUMEN
En este artículo se realiza un análisis fílmico de los elementos culturales presentes en el filme
ecuatoriano Cuando me toque a mí del director Victor Arregui. El cine, desde su creación, ha sido
utilizado como un medio de capturar y exponer aspectos de la cultura de sus realizadores. El objetivo
de este análisis es determinar si existe una representación neutra de la experiencia ecuatoriana. El cine
de cada país es en sí una ventana a la forma de vida de sus habitantes para el resto del mundo. Por ello,
si bien los filmes no deben suavizar la realidad con una narrativa dónde todo es perfecto, tampoco deben
enfocarse únicamente en aspectos negativos. Al representar la forma de vida de un pueblo es posible
caer en estereotipos, o mucho peor, en la representación de comportamientos colectivos disfuncionales
como si se tratasen de la única realidad de dicho país. Para analizar estos elementos fílmicos se utilizará
una metodología que consiste en tres pasos: transcribir, analizar e interpretar lo que ha sido puesto en
pantalla. Con este proceso se podrá identificar si este filme hace una representación fiel de los
ecuatorianos, o si por el contrario, se estanca en una visión unilateral e incompleta.
Palabras clave: cine ecuatoriano, representación cultural, elementos narrativos, patrones sociales
1 Autor principal
Correspondencia: 18rjab@queensu.ca
DOI: https://doi.org/10.37811/cl_rcm.v9i6.22247
Patrones de comportamiento colectivos disfuncionales: Un análisis del filme
ecuatoriano Cuando me toque a mí
Lic. Richard Joel Acosta Briceño1
18rjab@queensu.ca
https://orcid.org/0009-0008-1362-8872
Investigador Independiente
Ecuador
Mg. Lourdes Natalia Santos Pilataxi
lusanto1978@hotmail.com
https://orcid.org/0009-0000-5427-8575
Investigadora Independiente
Ecuador
Lic. Sylvia Emperatriz Pinto Ninacuri
sylvi_pinto@yahoo.es
https://orcid.org/0009-0009-4594-8640
Investigadora Independiente
Ecuador
Mg. Patricia Lucila Carrera Mantilla
carrerampatricial@gmail.com
https://orcid.org/0009-0004-4385-6949
Investigador Independiente
Ecuador
Mg. Narcisa de Jesús Manobanda Sisa
nachita.manobanda@yahoo.es
https://orcid.org/0009-0000-7727-9298
Investigador Independiente
Ecuador
RESUMEN
En este artículo se realiza un análisis fílmico de los elementos culturales presentes en el filme
ecuatoriano Cuando me toque a mí del director Victor Arregui. El cine, desde su creación, ha sido
utilizado como un medio de capturar y exponer aspectos de la cultura de sus realizadores. El objetivo
de este análisis es determinar si existe una representación neutra de la experiencia ecuatoriana. El cine
de cada país es en sí una ventana a la forma de vida de sus habitantes para el resto del mundo. Por ello,
si bien los filmes no deben suavizar la realidad con una narrativa dónde todo es perfecto, tampoco deben
enfocarse únicamente en aspectos negativos. Al representar la forma de vida de un pueblo es posible
caer en estereotipos, o mucho peor, en la representación de comportamientos colectivos disfuncionales
como si se tratasen de la única realidad de dicho país. Para analizar estos elementos fílmicos se utilizará
una metodología que consiste en tres pasos: transcribir, analizar e interpretar lo que ha sido puesto en
pantalla. Con este proceso se podrá identificar si este filme hace una representación fiel de los
ecuatorianos, o si por el contrario, se estanca en una visión unilateral e incompleta.
Palabras clave: cine ecuatoriano, representación cultural, elementos narrativos, patrones sociales
1 Autor principal
Correspondencia: 18rjab@queensu.ca
pág. 1178
Dysfunctional collective behavior patterns: An analysis of the Ecuadorian
film Cuando me toque a mí (When It's My Turn)
ABSTRACT
This article presents a film analysis of the cultural elements present in the Ecuadorian film Cuando me
toque a mí, directed by Víctor Arregui. Since its inception, cinema has been used as a medium to capture
and expose aspects of the culture of its creators. The objective of this analysis is to determine whether a
neutral representation of the Ecuadorian experience exists. The cinema of each country is, in itself, a
window into the way of life of its inhabitants for the rest of the world. Therefore, while films should not
soften reality through a narrative in which everything appears perfect, they should also avoid focusing
exclusively on negative aspects. When representing the way of life of a people, it is possible to fall into
stereotypes, or worse still, into the portrayal of collective dysfunctional behaviors as if they were the
sole reality of that country. To analyze these filmic elements, a methodology consisting of three steps
will be employed: transcribing, analyzing, and interpreting what has been presented on screen. Through
this process, it will be possible to identify whether this film offers a faithful representation of
Ecuadorians or, on the contrary, remains confined to a unilateral and incomplete perspective.
Keywords: Ecuadorian cinema, cultural representation, narrative elements, social patterns
Artículo recibido 10 diciembre 2025
Aceptado para publicación: 10 enero 2026
Dysfunctional collective behavior patterns: An analysis of the Ecuadorian
film Cuando me toque a mí (When It's My Turn)
ABSTRACT
This article presents a film analysis of the cultural elements present in the Ecuadorian film Cuando me
toque a mí, directed by Víctor Arregui. Since its inception, cinema has been used as a medium to capture
and expose aspects of the culture of its creators. The objective of this analysis is to determine whether a
neutral representation of the Ecuadorian experience exists. The cinema of each country is, in itself, a
window into the way of life of its inhabitants for the rest of the world. Therefore, while films should not
soften reality through a narrative in which everything appears perfect, they should also avoid focusing
exclusively on negative aspects. When representing the way of life of a people, it is possible to fall into
stereotypes, or worse still, into the portrayal of collective dysfunctional behaviors as if they were the
sole reality of that country. To analyze these filmic elements, a methodology consisting of three steps
will be employed: transcribing, analyzing, and interpreting what has been presented on screen. Through
this process, it will be possible to identify whether this film offers a faithful representation of
Ecuadorians or, on the contrary, remains confined to a unilateral and incomplete perspective.
Keywords: Ecuadorian cinema, cultural representation, narrative elements, social patterns
Artículo recibido 10 diciembre 2025
Aceptado para publicación: 10 enero 2026
pág. 1179
INTRODUCCIÓN
El cine, a lo largo de los años, ha sido utilizado como un medio de representación cultural de distintas
épocas y grupos sociales. El cine ecuatoriano no es una excepción, varios cineastas han utilizado este
arte para plasmar su propia experiencia humana, lo que incluye sus perspectivas de la vida al igual que
su cultura. Por un lado, esta representación tiene varios beneficios para la sociedad ecuatoriana y el país
en general. Por ejemplo, sirve como una fuente de información sobre cada periodo y generación de
ecuatorianos, un reflejo de la sociedad ecuatoriana esculpido en el tiempo para demostrar que esta
cultura existe como parte del mundo. Este recordatorio no es únicamente un medio de referencias para
las presentes y futuras generaciones de ecuatorianos, sino como evidencia para otras culturas sobre lo
que significa ser ecuatoriano. Por otro lado, dicha representación audiovisual también puede traer
consigo aspectos negativos al momento de plasmar historias ambientadas en Ecuador con personajes
completamente ecuatorianos. El mayor inconveniente es que usualmente las películas ecuatorianas no
representan una visión positiva de su cultura. Los cineastas tampoco suelen optar por una representación
neutral, sino que usualmente los filmes ecuatorianos suelen abordar temas sobre conflictos y
controversias, al igual que retratar el lado negativo de la sociedad. La inclusión de estos temas tampoco
se puede atribuir como característica única del cine ecuatoriano, sino que es una característica heredada
del resto de industrias cinematográficas de Latinoamérica. El cine latino suele usarse como medio de
protesta social sobre las distintas precariedades que se viven en los países hispanos, y a su vez es casi
imposible separar el cine latino de lo político. Estos filmes suelen preferir contar historias de grupos
marginales y abordar temas de pobreza, corrupción y violencia en un intento por alzar la voz para
concientizar sobre estos grupos y problemas sociales.
El propósito de analizar el filme Cuando me toque a mí del director Victor Arregui estrenado
oficialmente en el año 2008, aunque con participación en algunos festivales en el año 2006, es
comprobar cuál es el grado de representación cultural que existe en dicho filme. Y al mismo tiempo
verificar si existe una representación neutra, o si por el contrario forma parte de la lista de filmes
ecuatorianos que optan por mostrar los aspectos más negativos de la sociedad ecuatoriana. Si bien cada
industria cinematográfica tiene su propio sello o estilo artístico que la diferencia del resto de países, esto
está más relacionado con la forma en que se hace el cine, y no únicamente con los temas que se incluyen
INTRODUCCIÓN
El cine, a lo largo de los años, ha sido utilizado como un medio de representación cultural de distintas
épocas y grupos sociales. El cine ecuatoriano no es una excepción, varios cineastas han utilizado este
arte para plasmar su propia experiencia humana, lo que incluye sus perspectivas de la vida al igual que
su cultura. Por un lado, esta representación tiene varios beneficios para la sociedad ecuatoriana y el país
en general. Por ejemplo, sirve como una fuente de información sobre cada periodo y generación de
ecuatorianos, un reflejo de la sociedad ecuatoriana esculpido en el tiempo para demostrar que esta
cultura existe como parte del mundo. Este recordatorio no es únicamente un medio de referencias para
las presentes y futuras generaciones de ecuatorianos, sino como evidencia para otras culturas sobre lo
que significa ser ecuatoriano. Por otro lado, dicha representación audiovisual también puede traer
consigo aspectos negativos al momento de plasmar historias ambientadas en Ecuador con personajes
completamente ecuatorianos. El mayor inconveniente es que usualmente las películas ecuatorianas no
representan una visión positiva de su cultura. Los cineastas tampoco suelen optar por una representación
neutral, sino que usualmente los filmes ecuatorianos suelen abordar temas sobre conflictos y
controversias, al igual que retratar el lado negativo de la sociedad. La inclusión de estos temas tampoco
se puede atribuir como característica única del cine ecuatoriano, sino que es una característica heredada
del resto de industrias cinematográficas de Latinoamérica. El cine latino suele usarse como medio de
protesta social sobre las distintas precariedades que se viven en los países hispanos, y a su vez es casi
imposible separar el cine latino de lo político. Estos filmes suelen preferir contar historias de grupos
marginales y abordar temas de pobreza, corrupción y violencia en un intento por alzar la voz para
concientizar sobre estos grupos y problemas sociales.
El propósito de analizar el filme Cuando me toque a mí del director Victor Arregui estrenado
oficialmente en el año 2008, aunque con participación en algunos festivales en el año 2006, es
comprobar cuál es el grado de representación cultural que existe en dicho filme. Y al mismo tiempo
verificar si existe una representación neutra, o si por el contrario forma parte de la lista de filmes
ecuatorianos que optan por mostrar los aspectos más negativos de la sociedad ecuatoriana. Si bien cada
industria cinematográfica tiene su propio sello o estilo artístico que la diferencia del resto de países, esto
está más relacionado con la forma en que se hace el cine, y no únicamente con los temas que se incluyen
pág. 1180
en la producción. Por ejemplo, en el cine de Hollywood o Europa también existen fragmentos y filmes
completos que giran en torno a temas controversiales que nos muestran el lado más oscuro de esas
sociedades. Sin embargo, estás industrias han sabido balancear su contenido con propuestas más
positivas que resaltan valores y utilizan el arte del cine para representar su cultura con respeto y orgullo
al resto del mundo. Para muchos países y cineastas, el cine es un medio esencial para representar los
logros sociales y culturales de su nación. Si bien, los estereotipos son algo que puede afectar gravemente
la percepción sobre una cultura, a veces sin ir tan lejos, existen comportamientos colectivos
disfuncionales, que igualmente perjudican la representación cultural. Los filmes pueden presentar temas
de problemas sociales para informar y concientizar, pero deberían optar por hacerlo con una narrativa
que no excluya aspectos más positivos de dichas culturas.
El estancamiento cinematográfico a cubrir los mismos temas sociales va vinculado directamente con el
desarrollo de la cultura ecuatoriana. Por ejemplo, en otras industrias cinematográficas existen cambios
en su forma de hacer cine con los llamados “movimientos cinematográficos” que son el resultado no
sólo de elementos artísticos, sino de factores externos que fuerzan a los realizadores a adaptarse a las
nuevas audiencias y medios de realización. El Ecuador, hablando en un gran aspecto de las cosas, no ha
sufrido cambios radicales dentro de su cultura. El país no ha estado envuelto en guerras de la magnitud
de otros países, tampoco ha sufrido de inmigración abismal, u otros factores que suelen crear cambios
en la forma en que se desarrolla el arte. Los acontecimientos más importantes, como el feriado bancario
de 1999, tienen presencia en la filmografía ecuatoriana, pero no han significado un cambio importante
en la estructura de la industria cinematográfica del país. Según explica Christian León:
Para entender el campo cinematográfico en Ecuador en el siglo XXI implica comprender los
cambios históricos que han desembocado en el ordenamiento actual de las instituciones, las
prácticas y los discursos. A pesar de su constante variación, el campo cinematográfico
ecuatoriano expresa un conjunto de características que están moduladas por las condiciones
culturales, tecnológicas, industriales profesionales y educativas (León, 2024, pp.58).
Esto nos sugiere que el motivo por el que la representación cultural del Ecuador se ve algo estancada,
estaría directamente relacionada con la propia cultura del Ecuador en sí. El país no ha sufrido un cambio
considerable dentro de la cultura, incluso las personas siguen imitando los mismos patrones de
en la producción. Por ejemplo, en el cine de Hollywood o Europa también existen fragmentos y filmes
completos que giran en torno a temas controversiales que nos muestran el lado más oscuro de esas
sociedades. Sin embargo, estás industrias han sabido balancear su contenido con propuestas más
positivas que resaltan valores y utilizan el arte del cine para representar su cultura con respeto y orgullo
al resto del mundo. Para muchos países y cineastas, el cine es un medio esencial para representar los
logros sociales y culturales de su nación. Si bien, los estereotipos son algo que puede afectar gravemente
la percepción sobre una cultura, a veces sin ir tan lejos, existen comportamientos colectivos
disfuncionales, que igualmente perjudican la representación cultural. Los filmes pueden presentar temas
de problemas sociales para informar y concientizar, pero deberían optar por hacerlo con una narrativa
que no excluya aspectos más positivos de dichas culturas.
El estancamiento cinematográfico a cubrir los mismos temas sociales va vinculado directamente con el
desarrollo de la cultura ecuatoriana. Por ejemplo, en otras industrias cinematográficas existen cambios
en su forma de hacer cine con los llamados “movimientos cinematográficos” que son el resultado no
sólo de elementos artísticos, sino de factores externos que fuerzan a los realizadores a adaptarse a las
nuevas audiencias y medios de realización. El Ecuador, hablando en un gran aspecto de las cosas, no ha
sufrido cambios radicales dentro de su cultura. El país no ha estado envuelto en guerras de la magnitud
de otros países, tampoco ha sufrido de inmigración abismal, u otros factores que suelen crear cambios
en la forma en que se desarrolla el arte. Los acontecimientos más importantes, como el feriado bancario
de 1999, tienen presencia en la filmografía ecuatoriana, pero no han significado un cambio importante
en la estructura de la industria cinematográfica del país. Según explica Christian León:
Para entender el campo cinematográfico en Ecuador en el siglo XXI implica comprender los
cambios históricos que han desembocado en el ordenamiento actual de las instituciones, las
prácticas y los discursos. A pesar de su constante variación, el campo cinematográfico
ecuatoriano expresa un conjunto de características que están moduladas por las condiciones
culturales, tecnológicas, industriales profesionales y educativas (León, 2024, pp.58).
Esto nos sugiere que el motivo por el que la representación cultural del Ecuador se ve algo estancada,
estaría directamente relacionada con la propia cultura del Ecuador en sí. El país no ha sufrido un cambio
considerable dentro de la cultura, incluso las personas siguen imitando los mismos patrones de
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comportamientos colectivos disfuncionales. La representación constante de estos comportamientos llega
a ser generacionales y aceptados como si fuesen algo natural. Siendo la corrupción y la poca empatía
social los que más se destacan a niveles sociales más pequeños, sin tomar en cuenta problemas mayores.
Para Ulises Estrella, “el cine ecuatoriano es un cine alternativo, pero no marginal, imágenes de la verdad
en la vida de cada pueblo, contrarias a las visiones de apariencia, oropel y engaño que transmiten los
llamados medios de comunicación” (Estrella, 1984, pp.11). Por lo que, se considera que la visión de los
cineastas sobre la cultura y sociedad ecuatoriana es mucho más acertada que la de los medios de
comunicación. Sin embargo, estos medios no son necesariamente una fuente fiable para realizar
comparaciones. Es decir, la visión del cine ecuatoriano sobre la realidad sociocultural es más realista y
cercana con la cultura ecuatoriana que cualquier otro medio, pero, sigue sin ser una visión
completamente acertada, especialmente porque el cine ecuatoriano es una industria que, hasta la fecha,
2025, no termina de despegar. El filme que se pretende analizar, Cuando me toque a mí, es usualmente
usado como ejemplo de realismo ecuatoriano, entonces, debemos comprobar que tanto se acerca lo
presentado en pantalla con la realidad social y cultural del Ecuador.
Antecedentes
Filmes ecuatorianos anteriores y posteriores a Cuando me toque a mí han representado una realidad
ecuatoriano parcial, con un énfasis en los aspectos negativos, pero sobre todo se han enfocado en
normalizar comportamientos disfuncionales como si se tratasen de una verdad absoluta presente en todo
momento. Por ejemplo, en Ratas, ratones, rateros (Sebastián Cordero, 1999) además del tema de la
criminalidad y la violencia, se presentan momentos y situaciones en las que los personajes, incluso
aquellos no involucrados directamente con el crimen, realizan acciones cuestionables. Dentro de estos
comportamientos colectivos disfuncionales, los que más se repiten en el cine ecuatoriano son los
chismes, la corrupción a niveles pequeños y grandes, el alcoholismo, la falta de empatía social,
discriminación entre mestizos, entre otros. El motivo por el cuál no se puede definir el uso de estos
temas como elemento exclusivo del cine ecuatoriano se debe a que otros países han abordado también
el tema de los comportamientos colectivos disfuncionales como eje central de sus producciones. Tal
como lo es la violencia sin sentido en la película francesa La Haine (Mathieu Kassovitz, 1995). La
diferencia clave que evita que otras industrias cinematográficas se estanquen en esas representaciones
comportamientos colectivos disfuncionales. La representación constante de estos comportamientos llega
a ser generacionales y aceptados como si fuesen algo natural. Siendo la corrupción y la poca empatía
social los que más se destacan a niveles sociales más pequeños, sin tomar en cuenta problemas mayores.
Para Ulises Estrella, “el cine ecuatoriano es un cine alternativo, pero no marginal, imágenes de la verdad
en la vida de cada pueblo, contrarias a las visiones de apariencia, oropel y engaño que transmiten los
llamados medios de comunicación” (Estrella, 1984, pp.11). Por lo que, se considera que la visión de los
cineastas sobre la cultura y sociedad ecuatoriana es mucho más acertada que la de los medios de
comunicación. Sin embargo, estos medios no son necesariamente una fuente fiable para realizar
comparaciones. Es decir, la visión del cine ecuatoriano sobre la realidad sociocultural es más realista y
cercana con la cultura ecuatoriana que cualquier otro medio, pero, sigue sin ser una visión
completamente acertada, especialmente porque el cine ecuatoriano es una industria que, hasta la fecha,
2025, no termina de despegar. El filme que se pretende analizar, Cuando me toque a mí, es usualmente
usado como ejemplo de realismo ecuatoriano, entonces, debemos comprobar que tanto se acerca lo
presentado en pantalla con la realidad social y cultural del Ecuador.
Antecedentes
Filmes ecuatorianos anteriores y posteriores a Cuando me toque a mí han representado una realidad
ecuatoriano parcial, con un énfasis en los aspectos negativos, pero sobre todo se han enfocado en
normalizar comportamientos disfuncionales como si se tratasen de una verdad absoluta presente en todo
momento. Por ejemplo, en Ratas, ratones, rateros (Sebastián Cordero, 1999) además del tema de la
criminalidad y la violencia, se presentan momentos y situaciones en las que los personajes, incluso
aquellos no involucrados directamente con el crimen, realizan acciones cuestionables. Dentro de estos
comportamientos colectivos disfuncionales, los que más se repiten en el cine ecuatoriano son los
chismes, la corrupción a niveles pequeños y grandes, el alcoholismo, la falta de empatía social,
discriminación entre mestizos, entre otros. El motivo por el cuál no se puede definir el uso de estos
temas como elemento exclusivo del cine ecuatoriano se debe a que otros países han abordado también
el tema de los comportamientos colectivos disfuncionales como eje central de sus producciones. Tal
como lo es la violencia sin sentido en la película francesa La Haine (Mathieu Kassovitz, 1995). La
diferencia clave que evita que otras industrias cinematográficas se estanquen en esas representaciones
pág. 1182
negativas es la variedad en sus temas. Es decir, aunque existan películas como La Haine, sería imposible
encasillar al cine francés en dicho género, puesto que su catálogo de películas fácilmente podría cubrir
cada experiencia humana. El motivo de que exista este fenómeno de repetir los mismos temas en
Ecuador puede explicarse en que el país no produce tantos filmes comparado con las grandes industrias.
Así, la representación de aspectos negativos de la cultura ecuatoriana ha pasado a formar parte del
género fílmico ecuatoriano. El cineasta ecuatoriano Camilo Luzuriaga, confirma que los temas
abordados en la industria fílmica ecuatoriana no son universales, sino que van apegados a la propia
cultura ecuatoriana.
A diferencia de los modelos de la tradición dramática, que tienden a perdurar por su cualidad
para encarnar miradas arquetípicas o “universales” de la vida, los géneros tienden a ser
coyunturales, y son típicos de una cultura y momento histórico, como resultado de un quehacer
cinematográfico y social concreto… El problema de esta inclinación es que suele
desconocer precisamente el hecho que un género corresponde a una cultura y a un momento
histórico, y que es difícil, a veces imposible, adjudicar a sus características aquellas que
corresponden a otra cultura e historia (Luzuriaga, 2017, pp.3).
Uno de los motivos para que estos patrones se repitan, irónicamente, es el mismo motivo por el que
varios de estos filmes existen puesto que buscan seguir con el género que dejó plantado la aclamada
Ratas, ratones, rateros. Es por eso que en su afán de imitar el éxito de Sebastián Cordero, no existe una
variedad en los temas que se abordan en las producciones del país. Consecuentemente, el cine del
Ecuador es un cine enfocado a sus habitantes, lo que evita que otras culturas logren conectar al cien por
ciento con lo que se presenta en pantalla. Y al mismo tiempo, se provoca que espectadores ajenos a esta
cultura, consideren como real todo lo que se presenta en pantalla sobre el Ecuador.
Tras Ratas, Ratones y Rateros, el cine ecuatoriano no volvió a ser el mismo. Puesto que,
coincidencia o no, la producción cinematográfica creció, la cantidad de películas estrenadas por
año aumentaron y era más común ver películas nacionales exhibiéndose tanto en los cines
locales como en festivales internacionales, llevándose galardones en algunas ocasiones. A partir
de lo mencionado anteriormente, se puede decir que el filme de Sebastián Cordero, al igual que
lo hicieron El Tesoro de Atahualpa en 1924 y Dos para el camino en 1981, dio paso al tercer
negativas es la variedad en sus temas. Es decir, aunque existan películas como La Haine, sería imposible
encasillar al cine francés en dicho género, puesto que su catálogo de películas fácilmente podría cubrir
cada experiencia humana. El motivo de que exista este fenómeno de repetir los mismos temas en
Ecuador puede explicarse en que el país no produce tantos filmes comparado con las grandes industrias.
Así, la representación de aspectos negativos de la cultura ecuatoriana ha pasado a formar parte del
género fílmico ecuatoriano. El cineasta ecuatoriano Camilo Luzuriaga, confirma que los temas
abordados en la industria fílmica ecuatoriana no son universales, sino que van apegados a la propia
cultura ecuatoriana.
A diferencia de los modelos de la tradición dramática, que tienden a perdurar por su cualidad
para encarnar miradas arquetípicas o “universales” de la vida, los géneros tienden a ser
coyunturales, y son típicos de una cultura y momento histórico, como resultado de un quehacer
cinematográfico y social concreto… El problema de esta inclinación es que suele
desconocer precisamente el hecho que un género corresponde a una cultura y a un momento
histórico, y que es difícil, a veces imposible, adjudicar a sus características aquellas que
corresponden a otra cultura e historia (Luzuriaga, 2017, pp.3).
Uno de los motivos para que estos patrones se repitan, irónicamente, es el mismo motivo por el que
varios de estos filmes existen puesto que buscan seguir con el género que dejó plantado la aclamada
Ratas, ratones, rateros. Es por eso que en su afán de imitar el éxito de Sebastián Cordero, no existe una
variedad en los temas que se abordan en las producciones del país. Consecuentemente, el cine del
Ecuador es un cine enfocado a sus habitantes, lo que evita que otras culturas logren conectar al cien por
ciento con lo que se presenta en pantalla. Y al mismo tiempo, se provoca que espectadores ajenos a esta
cultura, consideren como real todo lo que se presenta en pantalla sobre el Ecuador.
Tras Ratas, Ratones y Rateros, el cine ecuatoriano no volvió a ser el mismo. Puesto que,
coincidencia o no, la producción cinematográfica creció, la cantidad de películas estrenadas por
año aumentaron y era más común ver películas nacionales exhibiéndose tanto en los cines
locales como en festivales internacionales, llevándose galardones en algunas ocasiones. A partir
de lo mencionado anteriormente, se puede decir que el filme de Sebastián Cordero, al igual que
lo hicieron El Tesoro de Atahualpa en 1924 y Dos para el camino en 1981, dio paso al tercer
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boom del cine ecuatoriano, el cual se mantiene hasta nuestros días. De manera que, desde el año
2000 hasta la actualidad, filmes como Un Titán en el Ring (Viviana Cordero, 2002), Crónicas
(Sebastián Cordero, 2004), Qué Tan Lejos (Tania Hermida, 2006), Cuando me toque a mí
(Víctor Arregui, 2007) (Orellana, 2018, pp.73).
METODOLOGÍA
Para poder comprender los elementos culturales presentes en el filme, es necesario desglosar cada una
de las partes del filme, para luego organizarlas y analizar de qué manera aportan estos elementos a la
narrativa del filme y a la representación sociocultural del Ecuador. Como método, se utilizará el análisis
fílmico multimodal. De acuerdo con Austria Gimenez de Aragon, este proceso de análisis consiste en
tres pasos: Primero, la fase de transcripción de los datos cinematográficos plano a plano tras haber visto
el filme en múltiples ocasiones. Segundo, análisis de los eventos presentados tomando en cuenta los
elementos que componen dicho evento: actores, sonidos, escenario, dirección, cinematografía, etc.
Finalmente, se lleva a cabo la interpretación de las relaciones discursivas que hacen posible la
compresión del fragmento (Austria Gimenez de Aragon, 1987, pp.1087).
Siguiendo este proceso, se obtendrá una información detallada sobre los elementos culturales presentes
en el filme, si es que existen. Al mismo tiempo, se podrá verificar si existe la presencia de
comportamientos colectivos disfuncionales de los ecuatorianos. En general, se busca descubrir si existe
una representación digna del Ecuador y si esta representación beneficia al país culturalmente hablando.
O sí por el contrario, la visión presentada en pantalla sobre el Ecuador y sus habitantes es problemática
y puede afectar la percepción que se tiene sobre el país y los ecuatorianos. Al desglosar los elementos
cinematográficos para luego volver a unir las ideas tomando en cuenta los elementos que las componen,
la idea que transmiten y el significado de estas, y todo lo que representan. Es necesario considerar la
presencia de todos los elementos cinematográficos que componen una puesta en escena o “mise-en-
scène” incluido la dirección del filme, el guion con los diálogos y eventos, la cinematografía, la banda
sonora y diseño de sonido, el montaje, las actuaciones, el diseño de producción, el vestuario y el
maquillaje. Mayormente, se dará prioridad a aquellos elementos que tienen un peso narrativo importante
dentro de la historia que se busca contar. Hay que considerar que existen escenas claves tanto para el
desarrollo de personajes, como para el desarrollo de la historia, por ende, para el desarrollo del filme
boom del cine ecuatoriano, el cual se mantiene hasta nuestros días. De manera que, desde el año
2000 hasta la actualidad, filmes como Un Titán en el Ring (Viviana Cordero, 2002), Crónicas
(Sebastián Cordero, 2004), Qué Tan Lejos (Tania Hermida, 2006), Cuando me toque a mí
(Víctor Arregui, 2007) (Orellana, 2018, pp.73).
METODOLOGÍA
Para poder comprender los elementos culturales presentes en el filme, es necesario desglosar cada una
de las partes del filme, para luego organizarlas y analizar de qué manera aportan estos elementos a la
narrativa del filme y a la representación sociocultural del Ecuador. Como método, se utilizará el análisis
fílmico multimodal. De acuerdo con Austria Gimenez de Aragon, este proceso de análisis consiste en
tres pasos: Primero, la fase de transcripción de los datos cinematográficos plano a plano tras haber visto
el filme en múltiples ocasiones. Segundo, análisis de los eventos presentados tomando en cuenta los
elementos que componen dicho evento: actores, sonidos, escenario, dirección, cinematografía, etc.
Finalmente, se lleva a cabo la interpretación de las relaciones discursivas que hacen posible la
compresión del fragmento (Austria Gimenez de Aragon, 1987, pp.1087).
Siguiendo este proceso, se obtendrá una información detallada sobre los elementos culturales presentes
en el filme, si es que existen. Al mismo tiempo, se podrá verificar si existe la presencia de
comportamientos colectivos disfuncionales de los ecuatorianos. En general, se busca descubrir si existe
una representación digna del Ecuador y si esta representación beneficia al país culturalmente hablando.
O sí por el contrario, la visión presentada en pantalla sobre el Ecuador y sus habitantes es problemática
y puede afectar la percepción que se tiene sobre el país y los ecuatorianos. Al desglosar los elementos
cinematográficos para luego volver a unir las ideas tomando en cuenta los elementos que las componen,
la idea que transmiten y el significado de estas, y todo lo que representan. Es necesario considerar la
presencia de todos los elementos cinematográficos que componen una puesta en escena o “mise-en-
scène” incluido la dirección del filme, el guion con los diálogos y eventos, la cinematografía, la banda
sonora y diseño de sonido, el montaje, las actuaciones, el diseño de producción, el vestuario y el
maquillaje. Mayormente, se dará prioridad a aquellos elementos que tienen un peso narrativo importante
dentro de la historia que se busca contar. Hay que considerar que existen escenas claves tanto para el
desarrollo de personajes, como para el desarrollo de la historia, por ende, para el desarrollo del filme
pág. 1184
con respecto a lo que el director busca representar. De esta forma, no se analizará únicamente el filme
como tal, sino que también se analizará las intenciones del director y el valor cultural del filme al
momento de representar al Ecuador.
Así, la información del filme primero se transcribe, se organiza y se separa los elementos más
importantes para proceder con el análisis fílmico de estos electos y como en su conjunto forman el
significado del filme, para finalmente interpretar esos datos.
4. Análisis fílmico
4.1. La transcripción
Es necesario ver el filme en repetidas instancias con el fin de poder transcribir todo su contenido de
manera acertada. Tras una primera vista se tiene una idea general de la historia del filme al igual que
sus personajes. Una segunda vista servirá para tomar notas de todos los datos relevantes, al igual que
notar detalles que pudieron pasar desapercibidos en la primera ocasión. En este momento, ya es posible
armar diferentes hipótesis con respecto al contenido del filme. Finalmente, una tercera revisión del filme
ayudará a verificar que los datos recopilados anteriormente sean correctos y se pueda ya armar una
transcripción detallada de lo visto anteriormente. Adicionalmente, será necesario repetir las escenas más
importantes en cuanto a contenido cultural para poder extraer la mayor información posible que
beneficie el análisis de la representación cultural que se busca hacer.
Ahora, se procede a trasladar la información audiovisual a escrito para poder analizarlo de forma
ordenada y sistemática. Al mismo tiempo, con este paso se puede clasificar sus elementos fílmicos en
orden de importancia con respecto al valor cinematográfico que generan. Después de todo, el cine es su
propio arte, por lo qué aunque utilicemos palabras para resumir la trama, no debemos olvidar que no
podemos tratarlo ni juzgarlo de forma literal, puesto que no es literatura, sino su propia arte con su
esencia única, en donde todos los elementos en conjunto forman la información que el espectador recibe.
A continuación la cronología del filme, resaltando los acontecimientos importantes para entender cuál
es el objetivo y la naturaleza de esta historia del director Victor Arregui:
● La escena inicial acompañada de los créditos deja en claro que el tema del filme será la
violencia. Cáceres intercepta al amante de su exesposa y lo asesina en el lugar, también entra
en la casa con la intención de hacer lo mismo con su exesposa, pero es detenido por la voz de
con respecto a lo que el director busca representar. De esta forma, no se analizará únicamente el filme
como tal, sino que también se analizará las intenciones del director y el valor cultural del filme al
momento de representar al Ecuador.
Así, la información del filme primero se transcribe, se organiza y se separa los elementos más
importantes para proceder con el análisis fílmico de estos electos y como en su conjunto forman el
significado del filme, para finalmente interpretar esos datos.
4. Análisis fílmico
4.1. La transcripción
Es necesario ver el filme en repetidas instancias con el fin de poder transcribir todo su contenido de
manera acertada. Tras una primera vista se tiene una idea general de la historia del filme al igual que
sus personajes. Una segunda vista servirá para tomar notas de todos los datos relevantes, al igual que
notar detalles que pudieron pasar desapercibidos en la primera ocasión. En este momento, ya es posible
armar diferentes hipótesis con respecto al contenido del filme. Finalmente, una tercera revisión del filme
ayudará a verificar que los datos recopilados anteriormente sean correctos y se pueda ya armar una
transcripción detallada de lo visto anteriormente. Adicionalmente, será necesario repetir las escenas más
importantes en cuanto a contenido cultural para poder extraer la mayor información posible que
beneficie el análisis de la representación cultural que se busca hacer.
Ahora, se procede a trasladar la información audiovisual a escrito para poder analizarlo de forma
ordenada y sistemática. Al mismo tiempo, con este paso se puede clasificar sus elementos fílmicos en
orden de importancia con respecto al valor cinematográfico que generan. Después de todo, el cine es su
propio arte, por lo qué aunque utilicemos palabras para resumir la trama, no debemos olvidar que no
podemos tratarlo ni juzgarlo de forma literal, puesto que no es literatura, sino su propia arte con su
esencia única, en donde todos los elementos en conjunto forman la información que el espectador recibe.
A continuación la cronología del filme, resaltando los acontecimientos importantes para entender cuál
es el objetivo y la naturaleza de esta historia del director Victor Arregui:
● La escena inicial acompañada de los créditos deja en claro que el tema del filme será la
violencia. Cáceres intercepta al amante de su exesposa y lo asesina en el lugar, también entra
en la casa con la intención de hacer lo mismo con su exesposa, pero es detenido por la voz de
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su hijo. La escena culmina dando pie al título del filme. A continuación, se presenta al personaje
principal el Dr. Arturo Fernández, médico forense, que se encuentra examinando el cadáver del
hombre asesinado. La escena nos dice mucho sobre la personalidad del doctor, frío con sus
emociones y distante a las relaciones personales.
● En los siguientes minutos se introducen la mayoría de los personajes principales y cómo estos
se relacionan entre sí. Aparece Jorge el hermano del doctor, cuya importancia y conflicto se
revelará más adelante en el filme. El hijo de Cáceres es atropellado y con su ida al hospital se
introduce a la mamá de Cáceres, al taxista Campos, y a Wilfrido el joven recién llegado de la
costa. Wilfrido entabla una relación de amistad con Cáceres. Ambos van a una discoteca para
encontrarse con la familia de Wilfrido. Se descubre que Wilfrido en realidad está en la ciudad
para cometer crímenes.
● Mediante una conversación entre Campos y un pasajero brasileño conocemos que el taxista
tiene una opinión muy pesimista sobre el país. Por su parte, Wilfrido y su familia proceden a
robar una casa, en donde asesinan a la joven hija del lugar. Mientras que el guardia que regresaba
paseando al perro se percata de lo sucedido y dispara a Wilfrido, acabando con su vida en el
lugar. Los otros dos criminales secuestran al taxista Campos, conectando así las historias de
estos personajes, y finalmente se lo llevan apuntando con un arma. Lo dejan libre en el bosque
y no se le vuelve a ver durante el resto del filme.
● Cáceres sigue borracho sin darse cuenta qué su hijo está en el hospital, mientras que en la
morgue los doctores reciben al brasileño que ha fallecido. La esposa del taxista va en busca de
ayuda puesto que su esposo ha desaparecido, pero solo recibe críticas y comentarios negativos.
Se profundiza la trama de Jorge quien habla con su madre por teléfono. Él da un discurso en
contra de las tradiciones que él considera absurdas y como muchas personas siguen estas normas
no escritas solo porque el resto del país lo hace. También se revela que es homosexual y su
pareja aparentemente es un trabajador sexual quien tras viajar con un señor en un auto aparece
muerto en la morgue. Jorge acude a la morgue a ver su cuerpo y tiene un encuentro con su
hermano el Dr. Arturo Fernández. Ambos tienen una discusión sobre la sexualidad, y sobre la
libertad de cada uno, y como los lazos sanguíneos no significan nada si no existe una conexión
su hijo. La escena culmina dando pie al título del filme. A continuación, se presenta al personaje
principal el Dr. Arturo Fernández, médico forense, que se encuentra examinando el cadáver del
hombre asesinado. La escena nos dice mucho sobre la personalidad del doctor, frío con sus
emociones y distante a las relaciones personales.
● En los siguientes minutos se introducen la mayoría de los personajes principales y cómo estos
se relacionan entre sí. Aparece Jorge el hermano del doctor, cuya importancia y conflicto se
revelará más adelante en el filme. El hijo de Cáceres es atropellado y con su ida al hospital se
introduce a la mamá de Cáceres, al taxista Campos, y a Wilfrido el joven recién llegado de la
costa. Wilfrido entabla una relación de amistad con Cáceres. Ambos van a una discoteca para
encontrarse con la familia de Wilfrido. Se descubre que Wilfrido en realidad está en la ciudad
para cometer crímenes.
● Mediante una conversación entre Campos y un pasajero brasileño conocemos que el taxista
tiene una opinión muy pesimista sobre el país. Por su parte, Wilfrido y su familia proceden a
robar una casa, en donde asesinan a la joven hija del lugar. Mientras que el guardia que regresaba
paseando al perro se percata de lo sucedido y dispara a Wilfrido, acabando con su vida en el
lugar. Los otros dos criminales secuestran al taxista Campos, conectando así las historias de
estos personajes, y finalmente se lo llevan apuntando con un arma. Lo dejan libre en el bosque
y no se le vuelve a ver durante el resto del filme.
● Cáceres sigue borracho sin darse cuenta qué su hijo está en el hospital, mientras que en la
morgue los doctores reciben al brasileño que ha fallecido. La esposa del taxista va en busca de
ayuda puesto que su esposo ha desaparecido, pero solo recibe críticas y comentarios negativos.
Se profundiza la trama de Jorge quien habla con su madre por teléfono. Él da un discurso en
contra de las tradiciones que él considera absurdas y como muchas personas siguen estas normas
no escritas solo porque el resto del país lo hace. También se revela que es homosexual y su
pareja aparentemente es un trabajador sexual quien tras viajar con un señor en un auto aparece
muerto en la morgue. Jorge acude a la morgue a ver su cuerpo y tiene un encuentro con su
hermano el Dr. Arturo Fernández. Ambos tienen una discusión sobre la sexualidad, y sobre la
libertad de cada uno, y como los lazos sanguíneos no significan nada si no existe una conexión
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entre ambos. El doctor invita a salir a su compañera de trabajo colombiana, y entre eso, su
hermano se va del hospital.
● Arturo va a investigar la escena del crimen, y confirma que los asesinos eran ecuatorianos, no
colombianos como originalmente pensaba. También se entera que el taxista Campos igualmente
sigue desaparecido. Jorge les revela su sexualidad a sus padres, a lo que tiene muy mala
respuesta por parte de ambos, el padre simplemente se va sin decir nada. Esto habla de lo mucho
que la homosexualidad es rechazada en el país, incluso en el siglo veintiuno, cuando muchos
otros países han tenido avances significativos en cuanto a los derechos y aceptación de los
homosexuales. En el ecuador, aun en 2025, la situación no ha mejorado nada.
● El doctor tiene un recuerdo del pasado y reflexiona sobre su vida. Cáceres se entera de la muerte
de Wilfrido. El doctor tiene su cita con la colombiana que resulta en un encuentro desafortunado,
lo que nos habla de lo roto que se encuentra por dentro el doctor. El filme concluye con el niño
atropellado que despierta. El doctor pasante le confiesa al doctor Arturo que se irá al extranjero.
Y que se preocupa por él, en parte es más maduro, pero a la vez ignorante debido a la comodidad
que tiene en la vida. Vemos a Cáceres ser transportado en una ambulancia, posiblemente
también fallezca. Hay un montaje final con la canción “cuando me toque a mi” de fondo.
Tan solo con transcribir los eventos encontrados y un pequeño análisis sobre los diálogos y
acontecimientos ya se puede sustraer valiosa información sobre el filme y sobre la intención de su
director. Al dividir el filme en estos fragmentos que son los acontecimientos más importantes, nos damos
una clara idea de que existe una fuerte representación cultural. Si bien el protagonista evidente es el
Doctor, ya que las tramas se conectan a través de la muerte y el como representante de la morgue. En
general el filme consta de un reparto coral; es decir, que cada personaje tiene un peso similar en la trama
y los acontecimientos que les suceden son necesarios para que el filme avance. Aun así, el doctor es
realmente el único que externaliza sus emociones, sentimientos y conflictos internos. La cámara nos
muestra la cruda realidad desde su punto de vista.
A continuación, procedemos con el análisis más a fondo de cada uno de los elementos artísticos,
enfocándonos en el carácter y valor cinematográfico de esta obra.
entre ambos. El doctor invita a salir a su compañera de trabajo colombiana, y entre eso, su
hermano se va del hospital.
● Arturo va a investigar la escena del crimen, y confirma que los asesinos eran ecuatorianos, no
colombianos como originalmente pensaba. También se entera que el taxista Campos igualmente
sigue desaparecido. Jorge les revela su sexualidad a sus padres, a lo que tiene muy mala
respuesta por parte de ambos, el padre simplemente se va sin decir nada. Esto habla de lo mucho
que la homosexualidad es rechazada en el país, incluso en el siglo veintiuno, cuando muchos
otros países han tenido avances significativos en cuanto a los derechos y aceptación de los
homosexuales. En el ecuador, aun en 2025, la situación no ha mejorado nada.
● El doctor tiene un recuerdo del pasado y reflexiona sobre su vida. Cáceres se entera de la muerte
de Wilfrido. El doctor tiene su cita con la colombiana que resulta en un encuentro desafortunado,
lo que nos habla de lo roto que se encuentra por dentro el doctor. El filme concluye con el niño
atropellado que despierta. El doctor pasante le confiesa al doctor Arturo que se irá al extranjero.
Y que se preocupa por él, en parte es más maduro, pero a la vez ignorante debido a la comodidad
que tiene en la vida. Vemos a Cáceres ser transportado en una ambulancia, posiblemente
también fallezca. Hay un montaje final con la canción “cuando me toque a mi” de fondo.
Tan solo con transcribir los eventos encontrados y un pequeño análisis sobre los diálogos y
acontecimientos ya se puede sustraer valiosa información sobre el filme y sobre la intención de su
director. Al dividir el filme en estos fragmentos que son los acontecimientos más importantes, nos damos
una clara idea de que existe una fuerte representación cultural. Si bien el protagonista evidente es el
Doctor, ya que las tramas se conectan a través de la muerte y el como representante de la morgue. En
general el filme consta de un reparto coral; es decir, que cada personaje tiene un peso similar en la trama
y los acontecimientos que les suceden son necesarios para que el filme avance. Aun así, el doctor es
realmente el único que externaliza sus emociones, sentimientos y conflictos internos. La cámara nos
muestra la cruda realidad desde su punto de vista.
A continuación, procedemos con el análisis más a fondo de cada uno de los elementos artísticos,
enfocándonos en el carácter y valor cinematográfico de esta obra.
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4.2. El análisis
Organizando y analizando la información presentada, podemos afirmar que existe una fuerte
representación cultural del país en este film. Especialmente de Quito, aunque a una gran escala, busca
abordar la experiencia ecuatoriana en un todo. Al mismo tiempo, se puede afirmar que en efecto el filme
tiene una trama y personajes pesimistas que enfrentan problemas difíciles como la muerte, la violencia
y problemas relacionados a la salud mental. Esto en sí no es ningún problema, puesto que el tono va de
acorde a los problemas presentados y lo que el filme busca abordar, incluida la visión pesimista que
puede ser directamente el punto de vista del Doctor. Sin embargo, también es evidente que el filme
incluye varios aspectos negativos que no necesariamente aportan a la trama, y que incluso pueden caer
en lo estereotipado y repetitivo con respecto a otros filmes ecuatorianos. Las acciones más pequeñas,
casi secundarias pero que siguen estando presentes como elementos del filme, son presentadas de
manera problemática, como si se tratasen de una realidad inevitable. Los casos más evidentes son los de
la micro corrupción, donde cualquier persona considera que está bien aprovecharse de situaciones a su
favor. La inclusión de estos comportamientos en la narrativa ha pasado a ser un elemento siempre
presente en la filmografía ecuatoriana. Que, aunque estos comportamientos existan dentro de la cultura
ecuatoriana, no son una verdad absoluta, por lo que deberían dejar de formar parte de la representación
cultural. Más bien, este tipo de comportamientos deberían ser presentados como los elementos negativos
que son, y que no todas las personas están de acuerdo con ellos. Cuando entendemos que este filme
pertenece a la tercera etapa del cine ecuatoriano, es fácil comprender por qué se deciden incluir estos
temas, puesto que esta etapa se caracteriza por presentar un cine que aborda los problemas culturales
reflejo de la realidad social que empezó Ratas, ratones, rateros;
A partir de los años 2000, el cine desarrollado en Ecuador marca un resurgimiento importante
dentro del entorno cultural marcado por lo social… En estos años, los realizadores siguen
reflejando la realidad del país al acercar su obra a temas como la raza, clase, género y sexualidad
(Basurto, 2022, Pp. 188).
Así, dentro del contexto histórico, es acertado que el filme abarque estos problemas para darles
visibilidad. Un error sería enfocarse en su totalidad a abordar dichos problemas y no tomarse unos
minutos para mostrar el otro lado de la moneda. Esto no es en sí una responsabilidad únicamente de este
4.2. El análisis
Organizando y analizando la información presentada, podemos afirmar que existe una fuerte
representación cultural del país en este film. Especialmente de Quito, aunque a una gran escala, busca
abordar la experiencia ecuatoriana en un todo. Al mismo tiempo, se puede afirmar que en efecto el filme
tiene una trama y personajes pesimistas que enfrentan problemas difíciles como la muerte, la violencia
y problemas relacionados a la salud mental. Esto en sí no es ningún problema, puesto que el tono va de
acorde a los problemas presentados y lo que el filme busca abordar, incluida la visión pesimista que
puede ser directamente el punto de vista del Doctor. Sin embargo, también es evidente que el filme
incluye varios aspectos negativos que no necesariamente aportan a la trama, y que incluso pueden caer
en lo estereotipado y repetitivo con respecto a otros filmes ecuatorianos. Las acciones más pequeñas,
casi secundarias pero que siguen estando presentes como elementos del filme, son presentadas de
manera problemática, como si se tratasen de una realidad inevitable. Los casos más evidentes son los de
la micro corrupción, donde cualquier persona considera que está bien aprovecharse de situaciones a su
favor. La inclusión de estos comportamientos en la narrativa ha pasado a ser un elemento siempre
presente en la filmografía ecuatoriana. Que, aunque estos comportamientos existan dentro de la cultura
ecuatoriana, no son una verdad absoluta, por lo que deberían dejar de formar parte de la representación
cultural. Más bien, este tipo de comportamientos deberían ser presentados como los elementos negativos
que son, y que no todas las personas están de acuerdo con ellos. Cuando entendemos que este filme
pertenece a la tercera etapa del cine ecuatoriano, es fácil comprender por qué se deciden incluir estos
temas, puesto que esta etapa se caracteriza por presentar un cine que aborda los problemas culturales
reflejo de la realidad social que empezó Ratas, ratones, rateros;
A partir de los años 2000, el cine desarrollado en Ecuador marca un resurgimiento importante
dentro del entorno cultural marcado por lo social… En estos años, los realizadores siguen
reflejando la realidad del país al acercar su obra a temas como la raza, clase, género y sexualidad
(Basurto, 2022, Pp. 188).
Así, dentro del contexto histórico, es acertado que el filme abarque estos problemas para darles
visibilidad. Un error sería enfocarse en su totalidad a abordar dichos problemas y no tomarse unos
minutos para mostrar el otro lado de la moneda. Esto no es en sí una responsabilidad únicamente de este
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filme y su director. Puesto que si la forma en que se aborda el tema dentro del filme funciona
narrativamente hablando; no es necesario adaptar esta historia para que la representación cultural sea
completa. Sino que se debería producir más filmes para abordar todas las perspectivas de lo que significa
ser ecuatoriano. De esta manera, el análisis se enfocará en ver cómo los cineastas utilizan los diferentes
elementos cinematográficos que componen el filme para crear su representación del país, y después ver
si dicha representación es acertada, o si existen aspectos que no concuerdan con la realidad Ecuatoriana.
Entonces, procedemos a analizar estos elementos de la puesta en escena. Partiendo por la dirección, para
proceder con la cinematografía e iluminación; la banda sonora y el diseño de sonido; el guion con los
personajes, diálogos y acontecimientos; el montaje, las actuaciones, el decorado, el maquillaje y el
vestuario. Con un enfoque en los elementos que mayor peso tenga dentro de la narrativa y de la
representación cultural.
4.2.1. Dirección
La dirección es sin lugar a duda el elemento más importante a la hora de definir el valor cinematográfico
de un filme, después de todo se considera al director como el autor de la obra. Es a través de este
elemento que el director puede incluir temas, conflictos y preguntas, mientras crea arte al mismo tiempo.
Mediante el uso de diferentes tomas compuestas el director puede crear una idea más amplia que está
llena de significados.
When film became a series of connected shots, a language was born. Every shot became a
complete sentence with at least one subject and one verb. (We are talking about an edited shot
here, as opposed to a camera setup, which can be cut into a number of edited shots). Like prose,
a film sentence/shot can be simple, with only one subject and one verb, and perhaps an object;
or it can be a compound sentence/shot, composed of two or more clauses [Cuando el cine se
convirtió en una serie de planos conectados, nació un lenguaje. Cada plano se convirtió en una
oración completa con al menos un sujeto y un verbo. (Hablamos de un plano editado, a
diferencia de un montaje de cámara, que puede cortarse en varios planos editados). Al igual que
la prosa, una oración o plano cinematográfico puede ser simple, con un solo sujeto y un verbo,
y quizás un complemento; o puede ser una oración o plano compuesto, formado por dos o más
cláusulas] (Proferes & Medina, L. 2017, pp.3).
filme y su director. Puesto que si la forma en que se aborda el tema dentro del filme funciona
narrativamente hablando; no es necesario adaptar esta historia para que la representación cultural sea
completa. Sino que se debería producir más filmes para abordar todas las perspectivas de lo que significa
ser ecuatoriano. De esta manera, el análisis se enfocará en ver cómo los cineastas utilizan los diferentes
elementos cinematográficos que componen el filme para crear su representación del país, y después ver
si dicha representación es acertada, o si existen aspectos que no concuerdan con la realidad Ecuatoriana.
Entonces, procedemos a analizar estos elementos de la puesta en escena. Partiendo por la dirección, para
proceder con la cinematografía e iluminación; la banda sonora y el diseño de sonido; el guion con los
personajes, diálogos y acontecimientos; el montaje, las actuaciones, el decorado, el maquillaje y el
vestuario. Con un enfoque en los elementos que mayor peso tenga dentro de la narrativa y de la
representación cultural.
4.2.1. Dirección
La dirección es sin lugar a duda el elemento más importante a la hora de definir el valor cinematográfico
de un filme, después de todo se considera al director como el autor de la obra. Es a través de este
elemento que el director puede incluir temas, conflictos y preguntas, mientras crea arte al mismo tiempo.
Mediante el uso de diferentes tomas compuestas el director puede crear una idea más amplia que está
llena de significados.
When film became a series of connected shots, a language was born. Every shot became a
complete sentence with at least one subject and one verb. (We are talking about an edited shot
here, as opposed to a camera setup, which can be cut into a number of edited shots). Like prose,
a film sentence/shot can be simple, with only one subject and one verb, and perhaps an object;
or it can be a compound sentence/shot, composed of two or more clauses [Cuando el cine se
convirtió en una serie de planos conectados, nació un lenguaje. Cada plano se convirtió en una
oración completa con al menos un sujeto y un verbo. (Hablamos de un plano editado, a
diferencia de un montaje de cámara, que puede cortarse en varios planos editados). Al igual que
la prosa, una oración o plano cinematográfico puede ser simple, con un solo sujeto y un verbo,
y quizás un complemento; o puede ser una oración o plano compuesto, formado por dos o más
cláusulas] (Proferes & Medina, L. 2017, pp.3).
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En este sentido, el director Víctor Arregui demuestra ser bastante capaz de utilizar diferentes elementos
para en conjunto crear una idea clara sobre lo que busca abordar en su historia. Sobre todo, es evidente
que logra transmitir la experiencia y sentimiento de lo que significa vivir en Ecuador. La escena inicial
con la que abre el filme, antes de adentrarse en la historia y los conflictos, es una toma sencilla de una
persona levantándose de la cama y disponiéndose a salir de casa. La forma en que esto es plasmado en
cámara es casi documental, ya que transmite la sensación de ser un barrio de cualquier ciudad del
Ecuador, imagen y sonido transportan a un clásico ambiente ecuatoriano de una madrugada en los
Andes. La luz natural y artificial se mezclan creando cierta nostalgia para los ecuatorianos que han
madrugado para el trabajo o clases y un ambiente bien establecido para el resto de los espectadores. El
director también incluye un paralelismo con esta escena al final del filme, a través de una ventana oscura
que muestra la ciudad por fuera. Llenando sus encuadres de simbolismos y significados, como que sin
importar las muertes que presenciamos a lo largo del filme, el resto de la ciudad sigue su rutina habitual
igual que al inicio del filme como si nada hubiese pasado.
Otra instancia de un buen uso de las técnicas de la dirección ocurre durante los primeros minutos, y sin
uso alguno de dialogo, el director presenta el asesinato de una persona en plena calle. Referenciando la
violencia que existe en el país, al igual que sucede con muchos otros casos de Latinoamérica. Desde ya,
el director plantea la idea de que su filme representará varios aspectos negativos del país como lo es la
violencia desmedida. Y no solo eso, sino que el director concluye la escena con el asesino dirigiéndose
a la casa de donde salió la víctima, con el cuchillo se acerca a la mujer que quedó en la alcoba. Una
forma muy buena de introducir temas sociales y la temática del filme en tan solo pocos minutos y sin
hacer uso ni de diálogo, monólogos, ni narración, únicamente mediante medios visuales. El lenguaje
fílmico habla por su cuenta, siendo una dirección efectiva. El valor cinematográfico de esta escena es
abrumador. El minimalismo en la composición hace resaltar la puesta en escena además de establecer
la temática del filme en poco más de tres minutos. La escena concluye a los cinco minutos cuando
finalmente presentan el título “Cuando me toque a mí” y procedemos a conocer al resto de personajes.
4.2.2. Cinematografía
La cinematografía a lo largo del filme sigue un aspecto minimalista. Con cámara en mano, casi
documental. Esta técnica ha sido usada por varios cineastas de renombre como Robert Bresson, con el
En este sentido, el director Víctor Arregui demuestra ser bastante capaz de utilizar diferentes elementos
para en conjunto crear una idea clara sobre lo que busca abordar en su historia. Sobre todo, es evidente
que logra transmitir la experiencia y sentimiento de lo que significa vivir en Ecuador. La escena inicial
con la que abre el filme, antes de adentrarse en la historia y los conflictos, es una toma sencilla de una
persona levantándose de la cama y disponiéndose a salir de casa. La forma en que esto es plasmado en
cámara es casi documental, ya que transmite la sensación de ser un barrio de cualquier ciudad del
Ecuador, imagen y sonido transportan a un clásico ambiente ecuatoriano de una madrugada en los
Andes. La luz natural y artificial se mezclan creando cierta nostalgia para los ecuatorianos que han
madrugado para el trabajo o clases y un ambiente bien establecido para el resto de los espectadores. El
director también incluye un paralelismo con esta escena al final del filme, a través de una ventana oscura
que muestra la ciudad por fuera. Llenando sus encuadres de simbolismos y significados, como que sin
importar las muertes que presenciamos a lo largo del filme, el resto de la ciudad sigue su rutina habitual
igual que al inicio del filme como si nada hubiese pasado.
Otra instancia de un buen uso de las técnicas de la dirección ocurre durante los primeros minutos, y sin
uso alguno de dialogo, el director presenta el asesinato de una persona en plena calle. Referenciando la
violencia que existe en el país, al igual que sucede con muchos otros casos de Latinoamérica. Desde ya,
el director plantea la idea de que su filme representará varios aspectos negativos del país como lo es la
violencia desmedida. Y no solo eso, sino que el director concluye la escena con el asesino dirigiéndose
a la casa de donde salió la víctima, con el cuchillo se acerca a la mujer que quedó en la alcoba. Una
forma muy buena de introducir temas sociales y la temática del filme en tan solo pocos minutos y sin
hacer uso ni de diálogo, monólogos, ni narración, únicamente mediante medios visuales. El lenguaje
fílmico habla por su cuenta, siendo una dirección efectiva. El valor cinematográfico de esta escena es
abrumador. El minimalismo en la composición hace resaltar la puesta en escena además de establecer
la temática del filme en poco más de tres minutos. La escena concluye a los cinco minutos cuando
finalmente presentan el título “Cuando me toque a mí” y procedemos a conocer al resto de personajes.
4.2.2. Cinematografía
La cinematografía a lo largo del filme sigue un aspecto minimalista. Con cámara en mano, casi
documental. Esta técnica ha sido usada por varios cineastas de renombre como Robert Bresson, con el
pág. 1190
objetivo de capturar imágenes tan apegadas a la realidad como sea posible. “For Bresson’s particular
minimalist style has been created in pursuit of something far greater than intellectual formalism: an
artistic expression of the nature of human existence” [El particular estilo minimalista de Bresson fue
creado en busca de algo mucho más grande que el formalismo intelectual: una expresión artística de la
naturaleza de la existencia humana] (Gorlitz, 2000, pp.6). Es decir, el estilo minimalista tiene un objetivo
muy puntual, y es que al rechazar el uso de luces artificiales y decorados construidos en estudios, según
el cineasta, es posible representar de mejor forma la experiencia humana. Sea por una decisión artística,
o por temas de presupuesto, optar por este tipo de cinematografía en este filme ayuda de manera abismal
a transportar a los espectadores a las calles de Quito.
El uso de estas técnicas tiene al menos tres propósitos diferentes. Primero, crear inmersión con el
espectador y que este se sienta parte del mundo que está observando. Presentar los acontecimientos
como una puerta a una realidad, no como un gran espectáculo, lo que provoca que exista naturalidad en
este tipo de composiciones. Segundo, al hablar de cinematografía no nos referimos únicamente a el uso
de la cámara, sino como la luz reacciona a esta, y al usar una iluminación minimalista provoca que la
atención de los espectadores se centre en los acontecimientos y no en aspectos visuales atractivos.
Tercera, finalmente, no solo que la persona se adentre y conecte con los personajes, sino que este
minimalismo y uso de cámara en mano crea un ambiente casi banal, en donde el realismo se apodera,
como si fuesen hechos reales con una cámara oculta dentro de la ficción, como se sugiere, como si fuese
una representación de la realidad tal cuál documental se tratara. En general, está técnica ayuda a que los
elementos culturales presentados se sientan auténticos.
Esta fotografía funciona de manera eficaz con la historia que se quiere contar, y al tener un reparto coral
en el que varios personajes comparten el protagonista mediante historias entrelazadas, se crea una
sensación de realismo, y el espectador de manera subconsciente, entiendo los hechos del filme como
parte de la realidad, y no como una ficción. Aunque los acontecimientos y personajes son ficticios, estos
no se alejan mucho de la realidad. Y sucesos como los presentados en el filme en realidad ocurren en
múltiples ocasiones en la vida cotidiana del Ecuador. Sin embargo, no únicamente ayuda a capturar este
realismo de los aspectos negativos del país, tal y como usaron los cineastas italianos con el neorrealismo
italiano, sino que al ser una ventana a la realidad busca la concientización de los problemas que presenta.
objetivo de capturar imágenes tan apegadas a la realidad como sea posible. “For Bresson’s particular
minimalist style has been created in pursuit of something far greater than intellectual formalism: an
artistic expression of the nature of human existence” [El particular estilo minimalista de Bresson fue
creado en busca de algo mucho más grande que el formalismo intelectual: una expresión artística de la
naturaleza de la existencia humana] (Gorlitz, 2000, pp.6). Es decir, el estilo minimalista tiene un objetivo
muy puntual, y es que al rechazar el uso de luces artificiales y decorados construidos en estudios, según
el cineasta, es posible representar de mejor forma la experiencia humana. Sea por una decisión artística,
o por temas de presupuesto, optar por este tipo de cinematografía en este filme ayuda de manera abismal
a transportar a los espectadores a las calles de Quito.
El uso de estas técnicas tiene al menos tres propósitos diferentes. Primero, crear inmersión con el
espectador y que este se sienta parte del mundo que está observando. Presentar los acontecimientos
como una puerta a una realidad, no como un gran espectáculo, lo que provoca que exista naturalidad en
este tipo de composiciones. Segundo, al hablar de cinematografía no nos referimos únicamente a el uso
de la cámara, sino como la luz reacciona a esta, y al usar una iluminación minimalista provoca que la
atención de los espectadores se centre en los acontecimientos y no en aspectos visuales atractivos.
Tercera, finalmente, no solo que la persona se adentre y conecte con los personajes, sino que este
minimalismo y uso de cámara en mano crea un ambiente casi banal, en donde el realismo se apodera,
como si fuesen hechos reales con una cámara oculta dentro de la ficción, como se sugiere, como si fuese
una representación de la realidad tal cuál documental se tratara. En general, está técnica ayuda a que los
elementos culturales presentados se sientan auténticos.
Esta fotografía funciona de manera eficaz con la historia que se quiere contar, y al tener un reparto coral
en el que varios personajes comparten el protagonista mediante historias entrelazadas, se crea una
sensación de realismo, y el espectador de manera subconsciente, entiendo los hechos del filme como
parte de la realidad, y no como una ficción. Aunque los acontecimientos y personajes son ficticios, estos
no se alejan mucho de la realidad. Y sucesos como los presentados en el filme en realidad ocurren en
múltiples ocasiones en la vida cotidiana del Ecuador. Sin embargo, no únicamente ayuda a capturar este
realismo de los aspectos negativos del país, tal y como usaron los cineastas italianos con el neorrealismo
italiano, sino que al ser una ventana a la realidad busca la concientización de los problemas que presenta.
pág. 1191
A su vez plasma con naturalidad aspectos propios de la identidad cultural del país. En resumidas cuentas,
el uso de una cinematografía minimalista no le resta ningún valor artístico a la obra, sino que por el
contrario exalta su calidad fílmica. Capturar el realismo dentro de una ficción y que se sienta tan natural
es un logro técnico que no necesita de un desarrollo visual más extravagante puesto que no tiene cabida
en la historia que plantean los desarrolladores.
4.2.3. Música
Siguiendo con la música, podemos observar que el estilo minimalista similar al cine de Robert Bresson
sigue presente. Según explica Amresh Sinha:
For Bresson sound acquires an independent feature. Its presence is neither to attest to nor to
confirm the text or the image. About non-diegetic music, for Bresson, Instead of literally playing
second fiddle to the image, the sound in Bresson breaks the barrier by crossing over the image
with a defiant note [para Bresson, el sonido adquiere una característica independiente. Su
presencia no sirve para atestiguar ni confirmar el texto ni la imagen. En cuanto a la música no
diegética, para Bresson, en lugar de ser literalmente un segundo violín de la imagen, el sonido
en Bresson rompe la barrera al traspasarla con una nota desafiante] (Sinha, 2019, pp.40).
En este sentido, la mayoría del filme mantiene la trama mediante imágenes, no hace uso excesivo de
música que resalte aquello que las imágenes ya explican, salvo contadas ocasiones. La analogía de
Bresson sobre la banda sonora, o la música no-diegética, es decir aquella que solo los espectadores
pueden escuchar más no los personajes dentro de la obra, se refiere a que la música dentro del cine
debería cumplir un propósito único, y no únicamente servir para transmitir el mismo significado de la
imagen. La música de Cuando me toque a mí no tiene un gran diseño que busque resaltar las ideas
tratadas, incluso parece hasta descuidada. Mientras que la cinematografía es muy fiel a los conceptos
establecidos por Bresson, no se puede decir lo mismo de la música. Esta no es minimalista, ni tampoco
es tan fiel al arte fílmico. Es decir, cuando se usa esta rompe con la tensión que se crea de manera natural,
no está tan apegada a la naturaleza de lo que se ve en pantalla, sino que por el contrario busca crear su
propia tensión, intensifica la situación. Por ejemplo, en el minuto catorce, la madre busca a su hijo en el
hospital, y la tensión se incrementa de forma artificial por la música estridente que suena en ese
momento. Es un buen uso de la música como arte individual, pero no un buen uso de la música como
A su vez plasma con naturalidad aspectos propios de la identidad cultural del país. En resumidas cuentas,
el uso de una cinematografía minimalista no le resta ningún valor artístico a la obra, sino que por el
contrario exalta su calidad fílmica. Capturar el realismo dentro de una ficción y que se sienta tan natural
es un logro técnico que no necesita de un desarrollo visual más extravagante puesto que no tiene cabida
en la historia que plantean los desarrolladores.
4.2.3. Música
Siguiendo con la música, podemos observar que el estilo minimalista similar al cine de Robert Bresson
sigue presente. Según explica Amresh Sinha:
For Bresson sound acquires an independent feature. Its presence is neither to attest to nor to
confirm the text or the image. About non-diegetic music, for Bresson, Instead of literally playing
second fiddle to the image, the sound in Bresson breaks the barrier by crossing over the image
with a defiant note [para Bresson, el sonido adquiere una característica independiente. Su
presencia no sirve para atestiguar ni confirmar el texto ni la imagen. En cuanto a la música no
diegética, para Bresson, en lugar de ser literalmente un segundo violín de la imagen, el sonido
en Bresson rompe la barrera al traspasarla con una nota desafiante] (Sinha, 2019, pp.40).
En este sentido, la mayoría del filme mantiene la trama mediante imágenes, no hace uso excesivo de
música que resalte aquello que las imágenes ya explican, salvo contadas ocasiones. La analogía de
Bresson sobre la banda sonora, o la música no-diegética, es decir aquella que solo los espectadores
pueden escuchar más no los personajes dentro de la obra, se refiere a que la música dentro del cine
debería cumplir un propósito único, y no únicamente servir para transmitir el mismo significado de la
imagen. La música de Cuando me toque a mí no tiene un gran diseño que busque resaltar las ideas
tratadas, incluso parece hasta descuidada. Mientras que la cinematografía es muy fiel a los conceptos
establecidos por Bresson, no se puede decir lo mismo de la música. Esta no es minimalista, ni tampoco
es tan fiel al arte fílmico. Es decir, cuando se usa esta rompe con la tensión que se crea de manera natural,
no está tan apegada a la naturaleza de lo que se ve en pantalla, sino que por el contrario busca crear su
propia tensión, intensifica la situación. Por ejemplo, en el minuto catorce, la madre busca a su hijo en el
hospital, y la tensión se incrementa de forma artificial por la música estridente que suena en ese
momento. Es un buen uso de la música como arte individual, pero no un buen uso de la música como
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elemento del cine. Hay una excepción clara y esta es el uso de la canción “cuando me toque a mi” que
suena al final del filme, y que va muy de acuerdo con los temas presentados a lo largo de esta narrativa.
Aunque su uso no necesariamente tiene un ritmo de cohesión dentro de este montaje final, sí que sirve
para crear la atmósfera de tristeza que persigue la mente del doctor, que en este punto ya es el personaje
con el que los espectadores más pueden conectar. Adicionalmente, se utilizan diferentes composiciones
para situaciones y personajes en específico como la tonada para identificar a la banda criminal. Aunque
esta tenga una composición acorde a las acciones de los criminales, sigue sin encajar con el tono realista
y minimalista del resto del filme, lo que puede provocar una desconexión de los espectadores durante
los segundos que duran estas partituras. En ese sentido, sin tomar en cuenta la regla de Bresson, el mejor
uso que se le da a la música son las tonadas lentas y melancólicas que acompañan las meditaciones del
doctor. Sin importar que no todas las reglas del cine minimalista se cumplan, si se puede afirmar que
Cuando me toque a mí conserva su característica simple y realista la mayor parte del tiempo y pocas
veces hace uso de música que interfieran con el ambiente creado.
Por otro lado, la música diegética, aquella que proviene del mundo que rodea a los personajes y los
mismos pueden escuchar, cumple la función de crear el ambiente de donde suceden diferentes
acontecimientos en esta obra. Por ejemplo, en la escena del bar del minuto veinticuatro suena música
ecuatoriana, lo cual hace experimentar a los espectadores la manera en que se celebran las fiestas en los
pequeños establecimientos de los pueblos ecuatorianos. Esta música por cuenta propia, mediante sus
letras e instrumentos, son un reflejo de la cultura ecuatoriana Detalles tan simples como este le dan
personalidad y vida al filme, y es que es muy común incluso en producciones de distintos países siempre
recurrir a tonadas pertenecientes a la cultura popular en lugar de a una sola cultura en específico.
El uso de este elemento fílmico demuestra que existe una representación acertada en cuanto a la
experiencia ecuatoriana. Por lo que, no todos los elementos que se analizan tienen el mismo grado de
representación social y cultural. Aunque el director sea el encargado de tomar la mayoría de las
decisiones artísticas, el resto del equipo creativo aporta sus propias ideas que pueden cambiar el
resultado final en cuanto a contenido se refiere. Algunos elementos pueden asegurar que exista una
representación cultural neutral del Ecuador y sus habitantes, mientras que otros elementos podrían
fomentar estereotipos y representar los mencionados comportamientos colectivos disfuncionales. Por su
elemento del cine. Hay una excepción clara y esta es el uso de la canción “cuando me toque a mi” que
suena al final del filme, y que va muy de acuerdo con los temas presentados a lo largo de esta narrativa.
Aunque su uso no necesariamente tiene un ritmo de cohesión dentro de este montaje final, sí que sirve
para crear la atmósfera de tristeza que persigue la mente del doctor, que en este punto ya es el personaje
con el que los espectadores más pueden conectar. Adicionalmente, se utilizan diferentes composiciones
para situaciones y personajes en específico como la tonada para identificar a la banda criminal. Aunque
esta tenga una composición acorde a las acciones de los criminales, sigue sin encajar con el tono realista
y minimalista del resto del filme, lo que puede provocar una desconexión de los espectadores durante
los segundos que duran estas partituras. En ese sentido, sin tomar en cuenta la regla de Bresson, el mejor
uso que se le da a la música son las tonadas lentas y melancólicas que acompañan las meditaciones del
doctor. Sin importar que no todas las reglas del cine minimalista se cumplan, si se puede afirmar que
Cuando me toque a mí conserva su característica simple y realista la mayor parte del tiempo y pocas
veces hace uso de música que interfieran con el ambiente creado.
Por otro lado, la música diegética, aquella que proviene del mundo que rodea a los personajes y los
mismos pueden escuchar, cumple la función de crear el ambiente de donde suceden diferentes
acontecimientos en esta obra. Por ejemplo, en la escena del bar del minuto veinticuatro suena música
ecuatoriana, lo cual hace experimentar a los espectadores la manera en que se celebran las fiestas en los
pequeños establecimientos de los pueblos ecuatorianos. Esta música por cuenta propia, mediante sus
letras e instrumentos, son un reflejo de la cultura ecuatoriana Detalles tan simples como este le dan
personalidad y vida al filme, y es que es muy común incluso en producciones de distintos países siempre
recurrir a tonadas pertenecientes a la cultura popular en lugar de a una sola cultura en específico.
El uso de este elemento fílmico demuestra que existe una representación acertada en cuanto a la
experiencia ecuatoriana. Por lo que, no todos los elementos que se analizan tienen el mismo grado de
representación social y cultural. Aunque el director sea el encargado de tomar la mayoría de las
decisiones artísticas, el resto del equipo creativo aporta sus propias ideas que pueden cambiar el
resultado final en cuanto a contenido se refiere. Algunos elementos pueden asegurar que exista una
representación cultural neutral del Ecuador y sus habitantes, mientras que otros elementos podrían
fomentar estereotipos y representar los mencionados comportamientos colectivos disfuncionales. Por su
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parte, el uso de la música en conjunto con la cinematografía da como resultado la edición o montaje,
elemento fílmico que necesita ser analizado individualmente para comprender su función.
4.2.4. Montaje
El uso del montaje en este filme es eficaz en el aspecto técnico y artístico. Al ser una narrativa que
aborda varias historias interconectadas es importante que la historia fluya con naturalidad, cosa que el
filme logra hacer. Igualmente, cuando dichas historias se conectan se sienten parte de una trama más
grande, ninguno de los personajes se siente fuera de lugar en ningún momento, lo que habla de la
competencia que existe en este aspecto del filme. Después de todo, parte del realismo del filme se logra
a través de la naturalidad con la que funciona el montaje. “Editing is only useful to the extent that it
supports the “basic property” of the film medium - its pull toward realism” [La edición sólo es útil en la
medida en que apoya la “propiedad básica” del medio cinematográfico: su atracción hacia el realismo]
(Fischer, 1999, pp.67). Así mismo, se resalta el uso artístico del montaje. En este sentido, este elemento
cinematográfico no debe ser utilizado exclusivamente para crear coherencia en la narrativa, sino que
también sirve para provocar emociones al combinar sonidos con imágenes. Esto funciona especialmente
bien con el montaje al final del filme, en pantalla se ve los destinos de los personajes acompañados con
la canción que referencia el título cuando me toque a mí. La conexión con los personajes ha sido
establecida generando interés por lo que les depara. De esta forma, el filme cierra de manera orgánica.
4.2.5. Sonido
El diseño de sonido en este filme está elaborado con el fin de recrear el ambiente ecuatoriano, con
vendedores de fondo, el sonido de los buses, el canto de las aves, la gente conversando, hace que las
escenas se sientan vivas sin que estos sonidos lleguen a ser distractivos.
In a sound film there is no need to explain the sounds. We see together with the word the glance,
the smile, the gesture, the whole chord of expression, the exact nuance. Together with the sounds
and voices of things we see their physiognomy. [En una película sonora no es necesario explicar
los sonidos. Junto con la palabra, vemos la mirada, la sonrisa, el gesto, toda la armonía
expresiva, el matiz exacto. Junto con los sonidos y las voces de las cosas, vemos su fisonomía]
(Balazs, 1985, pp. 2).
parte, el uso de la música en conjunto con la cinematografía da como resultado la edición o montaje,
elemento fílmico que necesita ser analizado individualmente para comprender su función.
4.2.4. Montaje
El uso del montaje en este filme es eficaz en el aspecto técnico y artístico. Al ser una narrativa que
aborda varias historias interconectadas es importante que la historia fluya con naturalidad, cosa que el
filme logra hacer. Igualmente, cuando dichas historias se conectan se sienten parte de una trama más
grande, ninguno de los personajes se siente fuera de lugar en ningún momento, lo que habla de la
competencia que existe en este aspecto del filme. Después de todo, parte del realismo del filme se logra
a través de la naturalidad con la que funciona el montaje. “Editing is only useful to the extent that it
supports the “basic property” of the film medium - its pull toward realism” [La edición sólo es útil en la
medida en que apoya la “propiedad básica” del medio cinematográfico: su atracción hacia el realismo]
(Fischer, 1999, pp.67). Así mismo, se resalta el uso artístico del montaje. En este sentido, este elemento
cinematográfico no debe ser utilizado exclusivamente para crear coherencia en la narrativa, sino que
también sirve para provocar emociones al combinar sonidos con imágenes. Esto funciona especialmente
bien con el montaje al final del filme, en pantalla se ve los destinos de los personajes acompañados con
la canción que referencia el título cuando me toque a mí. La conexión con los personajes ha sido
establecida generando interés por lo que les depara. De esta forma, el filme cierra de manera orgánica.
4.2.5. Sonido
El diseño de sonido en este filme está elaborado con el fin de recrear el ambiente ecuatoriano, con
vendedores de fondo, el sonido de los buses, el canto de las aves, la gente conversando, hace que las
escenas se sientan vivas sin que estos sonidos lleguen a ser distractivos.
In a sound film there is no need to explain the sounds. We see together with the word the glance,
the smile, the gesture, the whole chord of expression, the exact nuance. Together with the sounds
and voices of things we see their physiognomy. [En una película sonora no es necesario explicar
los sonidos. Junto con la palabra, vemos la mirada, la sonrisa, el gesto, toda la armonía
expresiva, el matiz exacto. Junto con los sonidos y las voces de las cosas, vemos su fisonomía]
(Balazs, 1985, pp. 2).
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En dicho sentido, el filme no se detiene a explicar qué significa cada sonido, sino que estos simplemente
existen con naturalidad. Los espectadores asumen que estos sonidos son propios de Ecuador, por lo que
el trabajo detrás del diseño de sonido y la edición cumple su propósito. Culturalmente hablando, los
sonidos que abordan las calles son un reflejo propio de la sociedad ecuatoriana y cómo viven sus vidas
día a día, aunque en sí esto no aporte mucho en el contexto que estamos analizando.
4.2.6. Guion
El guion cinematográfico es un elemento central al momento de decidir incluir aspectos culturales dentro
de un filme. Aunque también puede ser el elemento a través el cual se incluyan representaciones falsas
o imparciales que únicamente muestran un aspecto de la sociedad. Sobre todo, con la variedad de
experiencias que existe en una cultura tan rica como lo es la ecuatoriana, podrían existir varias historias
sin la necesidad de caer en clichés sociológicos. Así, el cine ecuatoriano debería aspirar a incluir todo
tipo de historias en sus representaciones, incluido aspectos y problemáticas de grupos marginales con
poca o nula representación, sin dejar de lado temas más universales para que el público general se pueda
identificar.
“Además, se cree que podría existir más diversidad en las historias y sostener una tendencia a
mantener las estructuras y valores establecidos en la sociedad. Dichas observaciones nos invitan
a reflexionar sobre la necesidad de promover un cine más inclusivo y comprometido con las
realidades y problemáticas de todos los grupos sociales en Ecuador. Además, demuestran la
importancia de la relación bidireccional entre cine y filosofía, permitiendo enriquecernos de una
reflexión del entorno y problemáticas que rodean la actualidad” (Ortiz, 2023, pp.14).
Aunque Cuando me toque a mí sea un filme del año 2006, los temas abordados en el mismo siguen
siendo considerados actuales dentro de la realidad ecuatoriana. En cuanto a la estructura del guion, como
tal no existe una trama central, sino que se trata de pequeñas historias, que están relativamente
interconectadas. Sin embargo, lo que sí se resalta del guion son los acontecimientos y diálogos de los
personajes. Mediante estos dos elementos, se puede transmitir aspectos culturales únicos y mediante la
voz de los personajes el escritor transmite comentarios sociales sobre la situación del país. Recordando
que también mediante estás acciones se comparten los comportamientos colectivos disfuncionales. La
forma en que está estructurado el guion, sin elementos fantásticos, sugiere que este también busca crear
En dicho sentido, el filme no se detiene a explicar qué significa cada sonido, sino que estos simplemente
existen con naturalidad. Los espectadores asumen que estos sonidos son propios de Ecuador, por lo que
el trabajo detrás del diseño de sonido y la edición cumple su propósito. Culturalmente hablando, los
sonidos que abordan las calles son un reflejo propio de la sociedad ecuatoriana y cómo viven sus vidas
día a día, aunque en sí esto no aporte mucho en el contexto que estamos analizando.
4.2.6. Guion
El guion cinematográfico es un elemento central al momento de decidir incluir aspectos culturales dentro
de un filme. Aunque también puede ser el elemento a través el cual se incluyan representaciones falsas
o imparciales que únicamente muestran un aspecto de la sociedad. Sobre todo, con la variedad de
experiencias que existe en una cultura tan rica como lo es la ecuatoriana, podrían existir varias historias
sin la necesidad de caer en clichés sociológicos. Así, el cine ecuatoriano debería aspirar a incluir todo
tipo de historias en sus representaciones, incluido aspectos y problemáticas de grupos marginales con
poca o nula representación, sin dejar de lado temas más universales para que el público general se pueda
identificar.
“Además, se cree que podría existir más diversidad en las historias y sostener una tendencia a
mantener las estructuras y valores establecidos en la sociedad. Dichas observaciones nos invitan
a reflexionar sobre la necesidad de promover un cine más inclusivo y comprometido con las
realidades y problemáticas de todos los grupos sociales en Ecuador. Además, demuestran la
importancia de la relación bidireccional entre cine y filosofía, permitiendo enriquecernos de una
reflexión del entorno y problemáticas que rodean la actualidad” (Ortiz, 2023, pp.14).
Aunque Cuando me toque a mí sea un filme del año 2006, los temas abordados en el mismo siguen
siendo considerados actuales dentro de la realidad ecuatoriana. En cuanto a la estructura del guion, como
tal no existe una trama central, sino que se trata de pequeñas historias, que están relativamente
interconectadas. Sin embargo, lo que sí se resalta del guion son los acontecimientos y diálogos de los
personajes. Mediante estos dos elementos, se puede transmitir aspectos culturales únicos y mediante la
voz de los personajes el escritor transmite comentarios sociales sobre la situación del país. Recordando
que también mediante estás acciones se comparten los comportamientos colectivos disfuncionales. La
forma en que está estructurado el guion, sin elementos fantásticos, sugiere que este también busca crear
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un ambiente de realismo que va de la mano con la dirección y cinematografía del filme. La forma en
que hablan los personajes con acentos y modismos, los datos históricos y los hechos sociales y culturales,
son elementos que aportan a que el guion se sienta como un extracto de la realidad ecuatoriana.
The succession of emotions in a screenplay is not representative of peoples’ emotions in real
life. However, a character’s reaction given the context of a scene taken in isolation may be
credible in certain screenplays. The spectator’s perception of a film’s realism may also help
assess the realism of the context data found in a screenplay. [La sucesión de emociones en un
guion no es representativa de las emociones de las personas en la vida real. Sin embargo, la
reacción de un personaje, dado el contexto de una escena aislada, puede resultar creíble en
ciertos guiones. La percepción del espectador del realismo de una película también puede ayudar
a evaluar el realismo de los datos contextuales presentes en un guion] (Choujaa & Dulay, 2008,
pp.16).
Al mismo tiempo, existen varios comentarios sociales que se realizan a través del diálogo de distintos
personajes. El taxista Campos de manera casi despectiva habla de la mala situación social y económica
en que se encuentra el país, sin mostrar en ningún momento los elementos que si son rescatables.
Demostrando que otros personajes comparten la visión pesimista del doctor. Lo cuál a gran escala puede
ser un reflejo del pensamiento del cineasta y de muchos ecuatorianos que se pueden identificar con el
comentario y el personaje. Igualmente, en múltiples ocasiones cuando algo malo sucede, como cuando
la chica es asesinada en su casa, las personas inmediatamente culpan a los colombianos. Esto demuestra
que dentro de la cultura existe un carácter discriminatorio y trato despectivo en contra de los migrantes,
especialmente colombianos. Siendo esta una de las varias críticas que se realiza el filme a través de la
voz del doctor. Otro tema que se aborda a través de los comentarios de las personas es la corrupción, a
menor y mayor escala. Incluso el doctor abiertamente se queja de este hecho, cuando el padre de la chica
asesinada logra obtener un permiso para evitar la autopsia de su hija. Siendo qué en cosas tan sencillas,
hay personas que abusan de su situación para pasar por encima de la autoridad.
un ambiente de realismo que va de la mano con la dirección y cinematografía del filme. La forma en
que hablan los personajes con acentos y modismos, los datos históricos y los hechos sociales y culturales,
son elementos que aportan a que el guion se sienta como un extracto de la realidad ecuatoriana.
The succession of emotions in a screenplay is not representative of peoples’ emotions in real
life. However, a character’s reaction given the context of a scene taken in isolation may be
credible in certain screenplays. The spectator’s perception of a film’s realism may also help
assess the realism of the context data found in a screenplay. [La sucesión de emociones en un
guion no es representativa de las emociones de las personas en la vida real. Sin embargo, la
reacción de un personaje, dado el contexto de una escena aislada, puede resultar creíble en
ciertos guiones. La percepción del espectador del realismo de una película también puede ayudar
a evaluar el realismo de los datos contextuales presentes en un guion] (Choujaa & Dulay, 2008,
pp.16).
Al mismo tiempo, existen varios comentarios sociales que se realizan a través del diálogo de distintos
personajes. El taxista Campos de manera casi despectiva habla de la mala situación social y económica
en que se encuentra el país, sin mostrar en ningún momento los elementos que si son rescatables.
Demostrando que otros personajes comparten la visión pesimista del doctor. Lo cuál a gran escala puede
ser un reflejo del pensamiento del cineasta y de muchos ecuatorianos que se pueden identificar con el
comentario y el personaje. Igualmente, en múltiples ocasiones cuando algo malo sucede, como cuando
la chica es asesinada en su casa, las personas inmediatamente culpan a los colombianos. Esto demuestra
que dentro de la cultura existe un carácter discriminatorio y trato despectivo en contra de los migrantes,
especialmente colombianos. Siendo esta una de las varias críticas que se realiza el filme a través de la
voz del doctor. Otro tema que se aborda a través de los comentarios de las personas es la corrupción, a
menor y mayor escala. Incluso el doctor abiertamente se queja de este hecho, cuando el padre de la chica
asesinada logra obtener un permiso para evitar la autopsia de su hija. Siendo qué en cosas tan sencillas,
hay personas que abusan de su situación para pasar por encima de la autoridad.
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4.2.7. Actuaciones
Las actuaciones dentro del filme no tienen mayor complejidad. Se podría decir que el único personaje
que representa una construcción de la actuación es el del doctor, puesto que constantemente se encuentra
meditando, lo que requiere de cierta maestría para poder transmitir dichas emociones internas a través
de la cámara. En cuanto al resto de personajes, sus actuaciones son bastantes sencillas, por lo que
podemos decir que incluso en este elemento se utilizan los principios minimalistas del cine de Bresson.
"Bresson famously rejected acting in films entirely, finding the concept of performing for the camera
false and self-serving" [Bresson es famoso por rechazar por completo la actuación en películas, pues
consideraba que el concepto de actuar frente a la cámara era falso y egoísta] (Churchill, 2020, pp.80).
Es decir, para adquirir un mayor realismo, a diferencia del teatro donde la actuación es elemental, en el
cine el utilizar a no actores que sean reflejos de los personajes crea una capa de autenticidad. Se
introducen ecuatorianos que interpretan ecuatorianos con sus manierismos, acentos y comportamientos.
Incluso, una combinación de actores profesionales y no actores crea un ambiente realista que va de la
mano con el estilo casi documental del filme.
4.2.8. Escenarios, maquillaje y vestuario
El motivo para englobar estos elementos juntos: diseño de producción o escenarios, maquillaje,
peluquería y vestuarios, es que todos comparten el mismo factor de ser prácticamente sacados de la vida
cotidiana. No existen grandes construcciones en estudios, sino que el filme opta por rodar en locaciones
reales. Igualmente, no existen personajes extravagantes o de otra época que requieran un diseño
complejo en su maquillaje ni vestuario. Todos estos elementos están estrictamente apegados al mundo
real puesto que en efecto son objetos que existen y posiblemente recibieron ligeras modificaciones para
aparecer en pantalla. El uso de estos provoca que el minimalismo siga presente en el filme, y el ambiente
general sea realista.
Concluido el análisis de cada uno de estos elementos, se procede a la interpretación, en donde finalmente
comprobaremos el nivel de representación cultural que existe en el filme y la autenticidad de este.
4.2.7. Actuaciones
Las actuaciones dentro del filme no tienen mayor complejidad. Se podría decir que el único personaje
que representa una construcción de la actuación es el del doctor, puesto que constantemente se encuentra
meditando, lo que requiere de cierta maestría para poder transmitir dichas emociones internas a través
de la cámara. En cuanto al resto de personajes, sus actuaciones son bastantes sencillas, por lo que
podemos decir que incluso en este elemento se utilizan los principios minimalistas del cine de Bresson.
"Bresson famously rejected acting in films entirely, finding the concept of performing for the camera
false and self-serving" [Bresson es famoso por rechazar por completo la actuación en películas, pues
consideraba que el concepto de actuar frente a la cámara era falso y egoísta] (Churchill, 2020, pp.80).
Es decir, para adquirir un mayor realismo, a diferencia del teatro donde la actuación es elemental, en el
cine el utilizar a no actores que sean reflejos de los personajes crea una capa de autenticidad. Se
introducen ecuatorianos que interpretan ecuatorianos con sus manierismos, acentos y comportamientos.
Incluso, una combinación de actores profesionales y no actores crea un ambiente realista que va de la
mano con el estilo casi documental del filme.
4.2.8. Escenarios, maquillaje y vestuario
El motivo para englobar estos elementos juntos: diseño de producción o escenarios, maquillaje,
peluquería y vestuarios, es que todos comparten el mismo factor de ser prácticamente sacados de la vida
cotidiana. No existen grandes construcciones en estudios, sino que el filme opta por rodar en locaciones
reales. Igualmente, no existen personajes extravagantes o de otra época que requieran un diseño
complejo en su maquillaje ni vestuario. Todos estos elementos están estrictamente apegados al mundo
real puesto que en efecto son objetos que existen y posiblemente recibieron ligeras modificaciones para
aparecer en pantalla. El uso de estos provoca que el minimalismo siga presente en el filme, y el ambiente
general sea realista.
Concluido el análisis de cada uno de estos elementos, se procede a la interpretación, en donde finalmente
comprobaremos el nivel de representación cultural que existe en el filme y la autenticidad de este.
pág. 1197
4.3. La interpretación
Con los dos pasos anteriores, ya hemos descubierto el núcleo del filme que sirve de base para la historia
que el director busca contar. También se confirma que existe una representación cultural negativa que
afecta la perspectiva que se tiene de los ecuatorianos. Los personajes presentados no son modelos para
imitar, no son héroes dentro de esta narrativa, sino que tienen más defectos que virtudes. Un buen
balance que crea personajes más humanos usualmente incluye todos los aspectos de la experiencia
humana. El análisis sugiere que este balance no está presente en este filme. Manuel Fernando Medina
explica que Cuando me toque a mí continúa con el perpetuo estereotipo de la superioridad blanca, y de
la inferioridad de las personas con rasgos más indígenas. Así mismo los mestizos apuntan a ser más
blancos, ocultando sus características indígenas.
En Cuando me toque a mí la selección de protagonistas menores encaja dentro de la teoría del
pánico moral propuesta por Stanley Cohen para explicar cómo la sociedad o el discurso elige
etiquetar a un grupo en particular como amenazante para la sociedad, y luego lo representa como
el mal personificado… En este caso, la ciudad de Quito incluye migrantes de zonas costeras,
especialmente de Ecuador, Colombia y drogadictos. Por ejemplo, la película muestra a una
médica colombiana que coquetea con el Dr. Fernández y finalmente trata de seducirlo. Cuando
me toque a mí nunca confirma a la audiencia si el Dr. Fernández no puede corresponder a los
avances sexuales de la Dra. Alina porque su belleza extravagante y su cuerpo voluptuoso lo
hacen incapaz de corresponder de la misma manera, o si simplemente no le gustan las mujeres.
En cualquier caso, esta película elige representar a una mujer colombiana como un objeto de
deseo voluntario (Medina, 2022, pp.14).
A continuación, describimos algunos de los eventos de conducta sociales cuestionables que aparecen en
el filme. El doctor, en un inicio parece el personaje más humano, tiene defectos como su forma de ver a
los colombianos, se ofende cuando piensa que fueron ellos quienes asesinaron a la chica en su casa.
También si bien su depresión va en torno al tono de la historia que se busca contar, este no siempre
guarda sus pensamientos para reflexionar, sino que abiertamente dice comentarios y críticas sobre otros
ecuatorianos. Comentarios que no aportan ninguna solución, solo son presentados en forma de
desprecio. El joven doctor, a pesar de ser un blanco-mestizo de clase alta, habla de querer hacer una
4.3. La interpretación
Con los dos pasos anteriores, ya hemos descubierto el núcleo del filme que sirve de base para la historia
que el director busca contar. También se confirma que existe una representación cultural negativa que
afecta la perspectiva que se tiene de los ecuatorianos. Los personajes presentados no son modelos para
imitar, no son héroes dentro de esta narrativa, sino que tienen más defectos que virtudes. Un buen
balance que crea personajes más humanos usualmente incluye todos los aspectos de la experiencia
humana. El análisis sugiere que este balance no está presente en este filme. Manuel Fernando Medina
explica que Cuando me toque a mí continúa con el perpetuo estereotipo de la superioridad blanca, y de
la inferioridad de las personas con rasgos más indígenas. Así mismo los mestizos apuntan a ser más
blancos, ocultando sus características indígenas.
En Cuando me toque a mí la selección de protagonistas menores encaja dentro de la teoría del
pánico moral propuesta por Stanley Cohen para explicar cómo la sociedad o el discurso elige
etiquetar a un grupo en particular como amenazante para la sociedad, y luego lo representa como
el mal personificado… En este caso, la ciudad de Quito incluye migrantes de zonas costeras,
especialmente de Ecuador, Colombia y drogadictos. Por ejemplo, la película muestra a una
médica colombiana que coquetea con el Dr. Fernández y finalmente trata de seducirlo. Cuando
me toque a mí nunca confirma a la audiencia si el Dr. Fernández no puede corresponder a los
avances sexuales de la Dra. Alina porque su belleza extravagante y su cuerpo voluptuoso lo
hacen incapaz de corresponder de la misma manera, o si simplemente no le gustan las mujeres.
En cualquier caso, esta película elige representar a una mujer colombiana como un objeto de
deseo voluntario (Medina, 2022, pp.14).
A continuación, describimos algunos de los eventos de conducta sociales cuestionables que aparecen en
el filme. El doctor, en un inicio parece el personaje más humano, tiene defectos como su forma de ver a
los colombianos, se ofende cuando piensa que fueron ellos quienes asesinaron a la chica en su casa.
También si bien su depresión va en torno al tono de la historia que se busca contar, este no siempre
guarda sus pensamientos para reflexionar, sino que abiertamente dice comentarios y críticas sobre otros
ecuatorianos. Comentarios que no aportan ninguna solución, solo son presentados en forma de
desprecio. El joven doctor, a pesar de ser un blanco-mestizo de clase alta, habla de querer hacer una
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revolución, sin comprender del todo la situación de otras personas y los beneficios con los que nació. El
hermano del doctor rechaza todo lo que sea costumbres del Ecuador, incluso la forma en que su madre
habla, si bien su situación se entiende puesto que ha sido oprimido, él no termina de explicar sus motivos
para despreciar todas las costumbres, incluso aquellas que no le afectan en lo más mínimo. Los padres
del doctor demuestran que la homofobia sigue presente en el país, son intolerantes aún con su propio
hijo. El taxista, sin contener sus palabras, insulta la situación en la que se encuentra el país, lo hace de
tal forma en que ni siquiera considera las cosas buenas que este ofrece. Cáceres representa valores
negativos como la venganza, la ira y el rencor, mientras al mismo tiempo se la pasa bebiendo alcohol,
sin mostrar signos de querer mejorar como persona. Wilfrido y su familia representan la violencia
normalizada que se vive en las calles del Ecuador. Y en general, personajes principales y secundarios
cumplen con diferentes comportamientos colectivos disfuncionales a lo largo del filme; incluido la
micro corrupción, la falta de interés por la situación de otras personas, los chismes, la violencia y el trato
despectivo hacia otros ciudadanos. Es decir, todos estos personajes, además de otros secundarios que
aparecen en el filme, parecen buscar motivos para enfocarse únicamente en los aspectos negativos del
país.
RESULTADOS
Los resultados encontrados sugieren que aunque algunos de los comportamientos colectivos presentados
en el filme no forman parte de la trama central de la historia, incluso pasando casi desapercibidos, si
tienen la característica de resaltar la visión que se crea en los espectadores sobre los personajes. De igual
manera, al ser estos personajes todos ecuatorianos, la visión de la audiencia sobre el Ecuador y su cultura
también se ve afectada por la representación planteada por Cuando me toque a mí. La inclusión de estas
características y comportamientos no son del todo negativas, puesto que les dan personalidad a los
personajes, haciendo que se sientan más reales, dando así mayor credibilidad a esta historia y que la
experiencia sea más inmersiva. El problema es la falta de inclusión de los aspectos más positivos del
país y de sus habitantes. Esto, en sí no afecta el valor fílmico de Cuando me toque a mí, que en rasgos
generales cumple su propósito de contar una historia en torno al infortunio de los ecuatorianos desde un
punto de vista depresivo. No por nada el tema central del filme es la muerte. El problema se ve reflejado
cuando dejamos de evaluar a este producto como una experiencia individual y lo analizamos como parte
revolución, sin comprender del todo la situación de otras personas y los beneficios con los que nació. El
hermano del doctor rechaza todo lo que sea costumbres del Ecuador, incluso la forma en que su madre
habla, si bien su situación se entiende puesto que ha sido oprimido, él no termina de explicar sus motivos
para despreciar todas las costumbres, incluso aquellas que no le afectan en lo más mínimo. Los padres
del doctor demuestran que la homofobia sigue presente en el país, son intolerantes aún con su propio
hijo. El taxista, sin contener sus palabras, insulta la situación en la que se encuentra el país, lo hace de
tal forma en que ni siquiera considera las cosas buenas que este ofrece. Cáceres representa valores
negativos como la venganza, la ira y el rencor, mientras al mismo tiempo se la pasa bebiendo alcohol,
sin mostrar signos de querer mejorar como persona. Wilfrido y su familia representan la violencia
normalizada que se vive en las calles del Ecuador. Y en general, personajes principales y secundarios
cumplen con diferentes comportamientos colectivos disfuncionales a lo largo del filme; incluido la
micro corrupción, la falta de interés por la situación de otras personas, los chismes, la violencia y el trato
despectivo hacia otros ciudadanos. Es decir, todos estos personajes, además de otros secundarios que
aparecen en el filme, parecen buscar motivos para enfocarse únicamente en los aspectos negativos del
país.
RESULTADOS
Los resultados encontrados sugieren que aunque algunos de los comportamientos colectivos presentados
en el filme no forman parte de la trama central de la historia, incluso pasando casi desapercibidos, si
tienen la característica de resaltar la visión que se crea en los espectadores sobre los personajes. De igual
manera, al ser estos personajes todos ecuatorianos, la visión de la audiencia sobre el Ecuador y su cultura
también se ve afectada por la representación planteada por Cuando me toque a mí. La inclusión de estas
características y comportamientos no son del todo negativas, puesto que les dan personalidad a los
personajes, haciendo que se sientan más reales, dando así mayor credibilidad a esta historia y que la
experiencia sea más inmersiva. El problema es la falta de inclusión de los aspectos más positivos del
país y de sus habitantes. Esto, en sí no afecta el valor fílmico de Cuando me toque a mí, que en rasgos
generales cumple su propósito de contar una historia en torno al infortunio de los ecuatorianos desde un
punto de vista depresivo. No por nada el tema central del filme es la muerte. El problema se ve reflejado
cuando dejamos de evaluar a este producto como una experiencia individual y lo analizamos como parte
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de un todo con el resto de las películas ecuatorianas. Entonces claramente forma parte del mismo género
ecuatoriano que se enfoca en representar el lado más oscuro de la sociedad sin oportunidad a mejorar.
Este fenómeno que sucede en la filmografía ecuatoriana no únicamente está presente en filmes anteriores
a este como lo es Crónicas (Sebastian Cordero, 2004), sino también con filmes que vendrían luego como
El Rezador (Tito Jara, 2022). De manera individual no se puede considerar este filme como
problemático, puesto que cumple con las intenciones del director. El problema es que muchos otros
filmes ecuatorianos presentan estos mismos comportamientos disfuncionales. Creando así el
pensamiento colectivo a través de la filmografía ecuatoriana, de que la cultura ecuatoriana está llena de
este tipo de comportamientos. Si bien, no se puede negar que estos elementos son reales y forman parte
de la sociedad ecuatoriana, el error está en la manera en que deliberadamente, todos estos filmes en
conjunto parecen elegir no representar los aspectos más positivos para crear un balance en la
representación. La cultura del Ecuador va mucho más allá de los comportamientos colectivos
disfuncionales que se han convertido en un sello de la industria. Los ecuatorianos en los filmes
ecuatorianos siempre son presentados como personajes antagónicos, marcando así que la visión de los
espectadores sobre el ecuador sea imparcial.
CONCLUSIONES
El trabajo de producción detrás de este filme está muy bien logrado tanto en la parte técnica como en la
narrativa. La representación cultural está presente a través de los diferentes medios visuales y sonoros
que conforman el filme. El guion es la base primordial para incluir aspectos culturales; sin embargo,
Cuando me toque a mí utiliza cada elemento cinematográfico a mayor y menor escala para crear un
ambiente de realismo que procura retratar el Ecuador de una forma convincente. El director Víctor
Arregui junto con su equipo logran capturar en esencia lo que significa ser ecuatoriano, no solo en el
apartado visual sino también en la narrativa y en la voz de sus personajes.
Sin embargo, aunque la representación cultural es acertada, no es perfecta. El mayor problema es que
se omiten aspectos importantes sobre lo que significa ser ecuatoriano, para enfocarse en su mayoría en
aspectos negativos. Algunos personajes están bien argumentados en este sentido y se entiende las
decisiones artísticas tomadas en torno a ellos. Como la tristeza que aborda al doctor a lo largo del filme
que crea esta visión negativa sobre el ecuador. Aun así, el filme no cae en estereotipos, sino que las
de un todo con el resto de las películas ecuatorianas. Entonces claramente forma parte del mismo género
ecuatoriano que se enfoca en representar el lado más oscuro de la sociedad sin oportunidad a mejorar.
Este fenómeno que sucede en la filmografía ecuatoriana no únicamente está presente en filmes anteriores
a este como lo es Crónicas (Sebastian Cordero, 2004), sino también con filmes que vendrían luego como
El Rezador (Tito Jara, 2022). De manera individual no se puede considerar este filme como
problemático, puesto que cumple con las intenciones del director. El problema es que muchos otros
filmes ecuatorianos presentan estos mismos comportamientos disfuncionales. Creando así el
pensamiento colectivo a través de la filmografía ecuatoriana, de que la cultura ecuatoriana está llena de
este tipo de comportamientos. Si bien, no se puede negar que estos elementos son reales y forman parte
de la sociedad ecuatoriana, el error está en la manera en que deliberadamente, todos estos filmes en
conjunto parecen elegir no representar los aspectos más positivos para crear un balance en la
representación. La cultura del Ecuador va mucho más allá de los comportamientos colectivos
disfuncionales que se han convertido en un sello de la industria. Los ecuatorianos en los filmes
ecuatorianos siempre son presentados como personajes antagónicos, marcando así que la visión de los
espectadores sobre el ecuador sea imparcial.
CONCLUSIONES
El trabajo de producción detrás de este filme está muy bien logrado tanto en la parte técnica como en la
narrativa. La representación cultural está presente a través de los diferentes medios visuales y sonoros
que conforman el filme. El guion es la base primordial para incluir aspectos culturales; sin embargo,
Cuando me toque a mí utiliza cada elemento cinematográfico a mayor y menor escala para crear un
ambiente de realismo que procura retratar el Ecuador de una forma convincente. El director Víctor
Arregui junto con su equipo logran capturar en esencia lo que significa ser ecuatoriano, no solo en el
apartado visual sino también en la narrativa y en la voz de sus personajes.
Sin embargo, aunque la representación cultural es acertada, no es perfecta. El mayor problema es que
se omiten aspectos importantes sobre lo que significa ser ecuatoriano, para enfocarse en su mayoría en
aspectos negativos. Algunos personajes están bien argumentados en este sentido y se entiende las
decisiones artísticas tomadas en torno a ellos. Como la tristeza que aborda al doctor a lo largo del filme
que crea esta visión negativa sobre el ecuador. Aun así, el filme no cae en estereotipos, sino que las
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acciones que se presentan más bien fungen como comentarios sociales sobre conductas que deberían
cambiarse. Pero al mismo tiempo, al igual que muchos otros filmes ecuatorianos, Cuando me toque a
mí tiene el mismo error de representar comportamientos colectivos disfuncionales como si fuesen la
verdad absoluta. Estos elementos, al igual que el resto de los temas tratados, crean una capa de
complejidad que ayuda al realismo del filme. Sin embargo, el error del filme es no mostrar a personas
que no compartan dichos comportamientos y se salgan del molde de lo planteado. Por así decirlo, aunque
haya personajes casi neutros con los que cualquier espectador, sea ecuatoriano o no, se puede identificar,
al final estos siguen conteniendo comportamientos negativos que provoca que la opinión sobre el
personaje, y por lo tanto sobre los ecuatorianos, sea negativa.
REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS
Balazs, B. (1985). Theory of the film: Sound. Film sound: Theory and practice, 116-125.
Basurto, A. E. M. (2022). Breve recorrido por el cine ecuatoriano y su representación social. Estudios
del Desarrollo Social: Cuba y América Latina, 10(1), 183-190.
Choujaa, D., & Dulay, N. (2008, October). Using screenplays as a source of context data. In Proceedings
of the 2nd ACM international workshop on Story representation, mechanism and context (pp.
13-20).
Churchill, J. M. (2020). Zen and the art of minimalist maintenance: Eastern philosophy in the cinematic
method of Robert Bresson (Doctoral dissertation).
Estrella, U. (1984). Reflexiones sobre el cine ecuatoriano. 10-12.
Fischer, L. (1999). Film editing. A companion to film theory, 64-83.
Gorlitz, S. J. (2000). Robert Bresson: Depth Behind Simplicity. Kinema: A Journal for Film and
Audiovisual Media.
León, C. (2024). Cien años del cine ecuatoriano. INMÓVIL, 10(2), 57-67.
Luzuriaga, C. (2017). Los géneros del cine ecuatoriano. INMÓVIL, 3(2), 1-16.
Medina, M. F. (2022). Raza, clase y muerte: enseñando el contexto socio-cultural de la raza en el Quito
post-metropolitano de Cuando me toque a mí de Víctor Arreguí. Educação UFSM, 47.
Orellana, J. (2018). Tras la pista del cine ecuatoriano. 70-74.
acciones que se presentan más bien fungen como comentarios sociales sobre conductas que deberían
cambiarse. Pero al mismo tiempo, al igual que muchos otros filmes ecuatorianos, Cuando me toque a
mí tiene el mismo error de representar comportamientos colectivos disfuncionales como si fuesen la
verdad absoluta. Estos elementos, al igual que el resto de los temas tratados, crean una capa de
complejidad que ayuda al realismo del filme. Sin embargo, el error del filme es no mostrar a personas
que no compartan dichos comportamientos y se salgan del molde de lo planteado. Por así decirlo, aunque
haya personajes casi neutros con los que cualquier espectador, sea ecuatoriano o no, se puede identificar,
al final estos siguen conteniendo comportamientos negativos que provoca que la opinión sobre el
personaje, y por lo tanto sobre los ecuatorianos, sea negativa.
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Ortiz, C. S. (2023). ¿Nihilistas e incomprendidos?: una perspectiva filosófica del cine ecuatoriano actual
mediante una revisión bibliográfica y cinematográfica. Religación: Revista de Ciencias Sociales
y Humanidades, 8(37), 1-16.
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Routledge. 3-11.
Rodríguez de Austria Giménez de Aragón, A. M. (2018). Apuntes críticos sobre el análisis fílmico
multimodal (multimodal film analysis). 1083-1089
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